抽象艺术是传达情感最直接的方式——旅德作曲家陈晓勇谈《心象》

文 / 艺 阳

陈晓勇，著名作曲家，1955年生于北京，1985年毕业于中央音乐学院作曲系。同年考入德国汉堡国立音乐戏剧大学 (Hochschule für Musik und Theater Hamburg) 著名作曲家师利盖蒂（Gyorgy Ligeti， 1923～2006）作曲大师班，成为其关门弟子。1989年毕业，陈晓勇是 Ligeti 的学生中少数国际成名者之一，现定居汉堡，任汉堡国立音乐与戏剧学院作曲教授 (Hochschule für Musik und Theater Hamburg)。2005年被选为汉堡自由艺术院院士(Freie Akademie der Künste Hamburg)。2006年3月回国受聘，成为上海音乐学院特聘作曲教授。2007年11月受聘于奥地利多瑙大学(Donau Universität Krems) 现代音乐中心艺术与学术顾问，2009年任该校驻校作曲家。他的全部作品由德国思考斯基国际音乐出版集团 (Internationale Musikverlage Sikorski)独家出版发行。主要作品有《第一弦乐四重奏》（String Quartetno. 1, 1986～1987年）、《为小提琴和筝而作的二重奏》（Duet forV iolin and Zheng，1989年）、《逸》（Evapora，为小型室内乐队而作， 1996年）、《日记》（Diary I、Ⅱ，钢琴独奏系列）、《变形》（WARP for Chamber Ensemble）。1999年由德意志室内爱乐乐团和布莱梅电台制作的陈晓勇CD作品专辑 (Invisible Landscapes–Works by Xiaoyong Chen) 被评为德国1999年度双月最佳唱片(Neue Zeitschrift für Musik Nr. 6, Nov.-Dez. 1999, Schott Musik Verlag)。

陈晓勇在创作上主张根植于中国传统文化，吸取各个国家、各种文化的养料，创立一种更高级的纯音乐艺术。他认为文化特征和艺术家个性不应只通过外表，而应深入精神与灵魂深层，以更高级的形式从内涵体现出来。他回避“中国制造”的“标签式”音乐，被德国理论界称为“一位有文化背景的国际型作曲家”。在方法上，他注重对振动本身的结构分析，挖掘声音的原始表现力，把抽象的声音当做直接触及灵魂的传播媒介。他提倡采取最简单的，最初始的形态写作，认为这是最直接触及心灵，最易感化人，而且给以听众最大想象空间的理想表达形式。他认为音乐创作不只是对新形式的追求，重要的是，音乐展开的过程要建立在可感知，可再认识的基础上；音乐发展的每一细节均应具有重要的音乐意义，无论是已有的，还是新的材料，当它出现时，都应当使人在直觉和理性上能够认识到它们在进行中的因果关系和它们存在的必要性。他追求的是一种既具有时代精神，又不受时空束缚, 有文化背景，却能跨越地域界线而被不同文化群体接受的音乐。陈晓勇的独特主张已被德国音乐界充分肯定。

他的作品大多数是委约创作。早在1987年他的音乐已传到西欧、东欧各国，远到亚洲日本、韩国和香港地区。至今，他的作品经常在重要国际音乐节演出，地区包括全欧洲各国、美国、日本、中国、韩国、台湾与香港地区、南美洲、澳大利亚、俄罗斯及中东地区。2008年5月，德国四大乐团之一的北德广播交响乐团在汉堡举办了为时四小时的两场“陈晓勇肖像个人专场音乐会”。此外，从1996年起，汉堡歌剧院、汉堡国家音乐厅、维也纳亚洲文化交流协会、达姆施塔特现代音乐协会、奥地利二十世纪乐团等组织，在不同国家和地区举办过共十一场陈晓勇个人音乐会。与他合作过的国际一流乐团包括Südwestfunk Sinfonieorchester (西南德广播交响乐团), Orchestre Philharmonique de Paris(法国巴黎爱乐乐团), Gulbenkian Orchestra (葡萄牙古本江交响乐团), KBS Orchestra (韩国广播公司交响乐团), NDR-Sinfonieorchester Hamburg(北德广播交响乐团), Hong Kong Philharmonic Orchestra(香港管弦乐团)等。

受上海友人室内乐社委约，陈晓勇分别于2015年、2016年创作室内乐作品《心象》《流光》，与作品《逸》《日记之五》共同收入新专辑《心象》（Imaginative Reflections），于近日在苹果音乐上线。其中，《流光》将于今年5月，由上海友人室内乐社(Ensemble Les Amis Shangha)在上海进行世界首演。

◎ 作品《流光》片段（版权所有：汉堡国际西科尔斯基音乐出版社 International Sikorski Music Publisher, Hamburg ）

○ 您的专辑名称为“Imaginative Reflections”，不知是否也给它起了中文名？

● 取此名与偶遇画家柴祖舜先生有关。最初译文为“心像”，见到这位从晚年起忽然离开现实主义风格，开始创作“心象”系列，以抽象语汇直接表达画家内心感受，他的这种转变及表达感情的方式于我有许多相似之处。虽然我的作品完成与我们相识，但我仍愿意将“像”字换成“象”。抽象艺术是传达情感最直接的方式，准确、深刻、没有修饰，它是高级语言。记 者：○

陈晓勇：●

○ 能否为我们介绍一下专辑中作品的构成，以及所使用的基本配器？

● 专辑中两首是受上海音乐友人室内乐团委约创作，因此编制主要以该乐团核心编制为主，加上中国的36簧笙。日记之五完成于2013年，加入这张专辑，借以为听众提供感受四分之一音分作品，这是十分罕见的一种音律。

○ 在这些作品中您用东西方乐器对他们各自的音乐文化进行表达，具体是如何实现的，您希望达到什么样的效果？

● 我认为，各种典型乐器都与它的形成完善过程及流行的文化群有直接关系。重要的并不在于它们出自何处，而是它们如何在一个新的地域与人群之中如何从陌生到熟悉。这个结合的过程及方法对作曲家是个难题，问题并不在于如何解决技术问题，难的是怎样使两类风格、修辞法上几乎不可相融的乐器合二为一。中西乐器结合是我多年来的重要研究课题，或者说是尝试的领域，至今为止我已经找到许多解决办法。从历史角度观察文化，任何国家与民族都有相似的经历。对新事物的体验，从陌生到了解需要磨合，或许不熟悉新创作的听众仍需要时间。我已在这个领域寻找了三十年，过程既是知识与经验的积累，也是逐渐建立新标准并以作品方式记录下来的模式。出版这张专辑为听众提供了接触平台。

○ 您的作品中经常涉及中国传统哲学，您认为老子的“大音希声”能否被西方观众认识呢？中国当代作曲家又应该从哪些方面入手去挖掘古人的智慧？

● 西方听众是否深刻了解中国古代哲学，甚至直接体会到此哲学观念之上建构的音乐？这不是我的第一目的。但是从另一个角度出发，对受过教育的一批西方人来说，老子是一个早已熟悉的概念。

西方人当然更了解他们的哲学与艺术，但是有思想善于思考的民族不是以自己所熟知的作为唯一的标准，并以此衡量所有尚处于未知的事物。有思想的人善于思考和反思。感谢出版社在发行中做的努力，德国几天前刚刚出版的音乐报（Neue Musikzeitung）一期已经对这张专辑作出了积极反应，给予十分明确的肯定。这种从内涵上谈及美学的乐评会直接作用于读者，引领人们避开所谓“中国音乐风格”的先入为主的肤浅，启发听众进一步思考和体验音乐所表达的哲学观与艺术感。北德广播电台已经计划在五月一日这天的节目里介绍这张专辑。这些不以商业为目的的艺术推广是社会发展的重要组成部分。此时，引起关注意义远大于单纯的喜好。

我们究竟为何去挖掘古人的智慧？假如人们在无意、在无知情况下失去甚至毁灭掉了本应属于生活的优秀传统与思想，那些本应是熟知的就渐渐变成陌生。传承需要载体，没有载体何从谈论传承？我们不得不承认，我们丢失了许多许多。挖掘古人智慧不是复古，是寻根，是求生存，是发现对自我的认可，是强我自信。安下心来，仔细体验声音的讲述，当声音出现，又渐渐消逝，听众可以体验到无声之美，当我们的感官从烦躁的状态中解脱出来，“希声”会把人引入神奇的世界。声与无声的交织、并存以及两者之间的关系是高级的艺术。

○ 在这张专辑中，声音的千变万化似乎是一个主题，您希望呈献给听者的是什么？特别是没有音乐理论基础的听众，您希望他们听到什么？如果他们说听不懂，您会如何回应？

● 我根本不认为专业理论基础是欣赏音乐的前提，能否欣赏在于音乐在你的存在之中是否是精神上的必需品。听音乐自然需要熟悉的过程，要接触音乐。我个人认为，在中国历史上虽然产生过无数的音乐精品，例如古琴音乐，但是她至今仍然属于社会中的少数人。欧洲古典音乐也并非从起源就普及于大众，她最早不过从早期浪漫主义才开始。中国的听众，特别是年轻一代生活在一个物质丰富的信息社会环境里，他们有足够的时间与精力去认识存在，思考问题，吸收物质以外的各种养分。保守地说，我最早从25岁那年才接触中国古代音乐和西方现代音乐，对中国民间音乐的深刻认识更是在我来到德国后才得以加强。这些不是我在学校里学到的，而是从观念上认识到它的重要性后补习到的。生活教会了我如何学习。

我很想在此强调，艺术音乐的未来决定于大众的修养与美育教育，民众的素质修养速度决定着中国音乐的发展进度。音乐作为艺术不是为了装装门面。国家音乐事业的发展，我们专业音乐人士有责任教育大众，提高他们的水平，有义务服务于社会。为此，我们责无旁贷。