以《静夜思》为例谈国学诵读的艺术呈现①

2017年初，教育部、国家语委就发布《关于进一步加强学校语言文字工作的意见》[1]等一系列文件，将国学诵读的重要性提升为中小学生基本功之一。而随着《朗读者》《中国诗词大会》《中国成语大会》等在荧屏上的广泛好评，人们越来越意识到，国学诵读的意义不仅仅是知识储备量的积累，更重要的是对大众审美的引导，乃至是提升国民素质的路径之一。“明镜所以照形，古事所以知今。”[2]中国国学的智慧和精神需要我们传承和发扬，作为语言艺术的呈现方式之一，“诵读”不仅仅是通过声音介质传播信息，更是艺术化的表达，更能体现诗词丰富的内涵和精神世界。如何让更多人了解、感受并学习，这正是我们需要努力实行的方向。那么如何从大众审美谈国学诵读的艺术呈现，便是如今迫切需要研讨的课题。

这两年来，我面对社会大众做过近百场诵读讲座，讲座受众有乡村小学的孩子、中小学老师，更有社会上不同年龄的诵读爱好者。讲座中所有现场的受众一共高声诵读、一同感念、一同为国学骄傲、一同折服于先贤的智慧。

一、国学诵读的艺术呈现要经历三个阶段

第一个阶段是“看山是山，看水是水”。看到什么文字就读什么。这只是认字发声，望文生义而已。在这个阶段，可以比较准确地读出作品的内容，不读破句子，能大致了解作品的基调，“大声地读出这些文字”便达到了这个阶段要求。

第二个阶段是“看山不是山，看水不是水”。在研究诵读时会陷入了瓶颈期，会一直在思考:形式大于内容就“虚假”，内容大于形式就“苍白”。在诵读时每一个字每一个词并不应该是张口就来，一定需要设计，这是一个严谨的创作过程。可能会设计很多种表现方式，根据作者的原意，根据“我”的理解，根据受众的需要，以及当时诵读的场合，最终确定一个呈现方案，这个方案是其中最合适的一种可能性，再作出属于自己个性化的朗诵处理。这不是绝对完美的，只是最合适的方案。我不太相信所谓即兴的火花，“文章本天成，妙手偶得之”，我只相信“读书破万卷，下笔如有神”。这一定是由量变到质变的过程。一篇稿件，必须全面了解，从广义备稿的角度，文化的驾驭、理解，都影响到呈现效果。第二阶段最大的误区是“外部技巧”大于“内部技巧”以及不能正确读解作品，就用技巧去处理这两种情况。

最后一个阶段:“看山还是山，看水还是水”。那就是所谓的炉火纯青的阶段了。所谓的外部技巧就像血液、呼吸一样，已经成为了一种能力，在表达作品时已不用花精力去担心字音、气息、停连、重音等处理的问题。在诵读时，只需要想一件事:把最真实的感受表达出来。这就又回到最初的状态，我说我想要说的话，真听、真看、真想象。

二、诵读艺术呈现的创作要分为三个层次

我们拿李白的《静夜思》举个例子。第一层台阶是，我们要做到字音标准。字词标准的评判体现为三个方面。第一是字音的标准，比如前后鼻音的区分、舌尖音:j、q、x的问题、南方方言中n、l区分不明显的问题，以及韵母的归位问题，这些都会对诵读呈现造成影响。第二是语调的标准，普通话中语调分为“阴阳上去”，我们常常会说:“学好声韵辨四声，阴阳上去要分明”。第三是断句标准，以《静夜思》来说，床前/明月/光，疑是/地上/霜，举头/望/明月，低头/思/故乡。合理的断句能让我们更好地驾驭朗诵的作品。

第二层次是气息的运用。“声随气动，气随情动”[3]。首先，气息是声音的动力来源，是表情达意的需要。充足、稳定的气息是发音的基础。诵读婉约词时气息平稳，诵读豪放派时气息要有力度，这些诵读的作品内容，直接决定了气息的处理方式。其次，诵读时气息运用得好，不仅可以有效地保护嗓子不受伤害，还可以帮助我们将声音传得更远。充足的气息再加上合理的运用会让我们的声音变得优美动听，高音不紧，低音不浊。

第三个层次便是“一切从心开始”。我们先来了解一个词“感受”。感受为五蕴之一，属于心的一种作用。感受的可意和不可意，完全是个体的主观判断，同样的外在刺激，对不同个体很可能会产生不同的感受[4]。

再以《静夜思》为例，我们的感受要从哪些方面入手？一是作者生平的了解。李白(701年—762年) ，字太白，号青莲居士，又号“谪仙人”。是唐代伟大的浪漫主义诗人，被后人誉为“诗仙”。与杜甫并称为“李杜”，为了与另两位诗人李商隐与杜牧即“小李杜”区别，杜甫与李白又合称“大李杜”。其人爽朗大方，爱饮酒作诗，喜交友[5]。这些资料对于要了解一个人来说明显太少了，而我们要知道得更多。因为李白太传奇了，从他的出生地，到揽月而亡，都充满了传奇色彩，他有那么多对他影响很深的好朋友，孟浩然、杜甫、汪伦、岑夫子、丹丘生……李白不仅是文武全才，还有十年磨一剑的侠客之心。

第二是对时代背景的了解。有时候我们会觉得时代出英雄，现在谈到文学上最辉煌的那一页的时候，我们还是会翻到盛唐，也只有那个时代能出得了李白。李白说“天子呼来不上船，自称臣是酒中仙”，想来唐明皇的心胸气度可见一斑，那么皇帝的气度又是从何而来？所谓“盛世大唐”，当经济繁荣到了一定程度以后，文化才有可能如此的大繁荣，才会有那样一个盛世，才会能够孕育出这样一个前无古人，后无来者的诗仙。

第三则是对人文情怀的了解。比如中国文人有两个情结在这首诗里面体现的非常明显。

第一个情结是“明月情节”。中国文人心中总是离不开那一轮明月，“人生如梦，一樽还酹江月”“不知江月待何人，但见长江送流水”“明月几时有，把酒问青天” “月既不解饮，影徒随我身”“明月松间照，清泉石上流”……好像文人和月亮都是老朋友一样，中国文人心中的明月就像是一个充满睿智的、看尽沧桑的老者，不著一言，高高地挂在那个永远不变的天空中，看着天下事，“分久必合，合久必分”，看着“江山代有才人出”，看着“青山依旧在，几度夕阳红”。那轮“明月”特别符合中国文人的那种含蓄的、包容的、阴柔的美感，属于东方之美。所以在月夜，月凉如水，月光似潋，在这样的时候开始仰望星空，思索人生，诗兴大发，这是中国人特有的明月情节。

第二个是“思乡情结”。中国文人是思乡的，“日暮相关何处是，烟波江上使人愁”。为什么思乡呢？它是有主观原因和客观原因的，李白更偏向为主观原因。中国文人在壮志未酬之时，无颜见江东父老，李白虽钱财无忧，但还没有达到他心中所谓的“衣锦还乡”的状态，所以迟迟不归。中国文人的志愿通常都是“学而优则仕”。“万般皆下品，唯有读书高”。入仕，不是为了功名利禄，也非仅仅为了光宗耀祖，更多的是精神层面的追求，为了济世利民。儒生们的脊梁是直的，他们的风骨是传承给我们的最高精神财富。中国文人一直崇尚“先天下之忧而忧，后天下之乐而乐”的理想志愿。所以李白壮志未酬，当他举头望明月的时候，就像是看到了自己那个没有实现的抱负，于是佯狂于世间。李白是想要当官，想要做贤臣的，可是唐明皇不缺“房谋杜断”,他缺的是能写“云想衣裳花想容”的梨园诗人。这个定位显然和李白自身的定位是不相符的，所以李白辞官而去，颠沛一生。

但大部分的思乡情结是因为客观原因，最重要的原因是“科举”。在中国，科举制萌发于南北朝时期，正式诞生于隋炀帝时期，成型于唐朝。[6]到明朝，科举考试形成了完备的制度:院试(即童生试)、乡试、会试和殿试，考试内容基本以"四书五经"为准，以“四书”文句为题，规定文章格式为八股文，解释必须参照朱熹《四书集注》。直至清光绪卅一年举行最后一科进士考试为止，前后经历一千三百余年，成为世界延续时间最长的选拔人才的办法。[7]因为路途的原因，家里经济条件好的骑着马，带着书童赶考进京，但一般的基本上就是靠自己走。黯乡魂追旅思，到了京城之后候考，考后等待金榜题名之时，如果没中的话，那就返乡吧，也许会偶遇寒山寺夜半的钟声。还有一批人，既没有高中，身上也没有盘缠，那么就在京城做教书先生、账房先生之类的工作，就这样在京城留下来了，远离家乡。若是金榜高中，春风得意马蹄疾，也就走马上任了。所以这些客观原因造成了“思乡情结”。 家乡已经不是一个地域的概念，而是心中的一处柔软的角落，始终会有一方世界，面朝大海，春暖花开，像一颗心口的朱砂痣，像那一片床前的明月光。这些情结凝结了《静夜思》。于是在中国人的心中，《静夜思》永远都是至高无上的经典中的经典。

三、个性化处理为国学诵读的艺术呈现锦上添花

席勒说:“艺术是自由的女儿”[8]。 《一个自由而负责的新闻界》中说:“负责任的自由，戴着镣铐的舞蹈”[9]。如果说艺术的自由是个性化的选择，那么这个选择的空间是巨大的。作为一种有声语言的艺术形式，诵读也要考虑三个欣赏角度。

一个角度是原作品，这是艺术创作的根本。如果将一个作品的艺术呈现比喻为一棵树，那么也许这棵树有很多种可能。也许是枝枝叶叶靠近团结，力求上进的“白杨树”；也许是生下来千年不死，死后千年不倒，倒下去千年不腐的“胡杨树”；也许是多情自古伤离别的“柳树”…… 不管它是绿荫如蔽还是满树繁花，起到决定性因素的还是植根于土壤的根系。所以在《静夜思》中，不论李白是怎样的“谪仙”，不论他的思乡是怎样的主观意识，创作的角度一定是围绕着“思乡”来的，既不可能欢欣鼓舞，也不可能柔情似水。

第二个角度是诵读者，这是艺术创作的主体。无论如何理解作品，诵读者都一定是主体。不管如何感念，作者的意图也定是通过诵读者自己的理解表达出来。“一千个人心中有一千个哈姆雷特”[10]，每一个人的认知和感受都不可能一样。

莱布尼茨说过:“世界上没有两片完全相同的叶子，也没有性格完全相同的人。”[11]树叶繁茂，寻不到完全相同的两片树叶；人海茫茫，找不出没有任何差异的两个人。每个人的生命都是独特的。都是独一无二的，有自己独特的风格和特点。哲学家赫拉克利特说:“人不能两次踏进同一条河流。”[12]他用非常简洁的语言概括了他关于运动变化的思想:“一切皆流，无物常住。”[13]在他看来，宇宙万物没有什么是绝对静止的和不变化的，一切都在运动和变化。每一个人每一次的体验都不同，所以真实地感受，真切地体验，真实地表达，一切都要以“真”为前提。

第三个角度是受众，这是艺术创作的起源与归宿。宗白华先生在《常人欣赏文艺的形式》中说:“人类第一流作家的文学或艺术，多半是所谓‘雅俗共赏’的。[14]”诵读是一项大众传播下的艺术语言形式，要符合大众审美的需求。

举例来说，再回到《静夜思》的诵读。如果受众是一般朗诵会的观众，那么我们会希望处理的艺术感染力更强，舞台的张力有较好的表现，因为在朗诵会的现场，来的观众都是朗诵艺术爱好者，有一定的审美高度和文化积累。在这个接受过程中，他们全神贯注地将注意力集中在作品的呈现上，能接受较大的信息传递；而如果受众是课堂里的小学生，那么我们会希望处理的要简单一些了，不需要有那么多层面的信息量，只要能声音洪亮地表达对家乡的想念之情就可以了。这些考虑是因受众的接受度分析来制定的诵读呈现方案，要因人而异。

结 语

在很多场合，我会用“锦上添花”这个成语来解读诵读艺术呈现的过程。在诵读中，朗诵的技巧，比如发声方法、气息处理甚至是形象、动作设计往往被过多地注意，而事实上这些外部技巧仅是一块锦上的“花”。因此，在诵读中，首先要让作品成为一块“锦”，再去“锦上添花”。而这个“锦”，不是任何外部技巧和程式化的动作设计，而是对稿件的理解和自身对稿件的体验。而如果一味地追求诵读的外化形式而忽视对作品内涵精神的把握，我们无法把作品织成一块“锦”，而是一块“布”，所谓的“锦上添花”也只能是假花。

国学诵读的艺术呈现，根基在于文学作品本身，每一篇作品的内涵都不相同，每一个朗诵者的感受也都不同，每一类受众的审美需求要不同，所以这个呈现的过程必然是“个性”的、“独立”的、“自由”的。一切从心出发，以“真”为本，以“善”为魂，追求“美”的呈现。在国学诵读中，我们应该不忘初心，继续前进。