话剧里的自我修养

当剧场里观众席照明灯隐去，台上的灯光一点点亮起，李宗雷走进了一个世界。

那个世界里，他是《新原野》里的乡村糙汉子；是《茶馆》里曾心怀天下却心灰意冷的革命者；是《哈姆雷特》里思索着生存与毁灭的王子；是《海鸥》里发须皆白、八面玲瓏的医生……他看遍了大千世界，人情冷暖。

随着舞台的灯光一盏盏熄灭，舞台上的脚步也一步步退去，直到他离开了“那个世界”，将震撼与触动都留给了舞台外的观众。

这就是李宗雷——在走上梦想的舞台前，他为它，已经准备了大半生。

李宗雷第一次接触表演，是在中学的一次文艺汇报演出上。作为班级的文艺委员，他排演的一个小品，在校级舞台上拿了奖。那时候他觉得，演戏真是一件又威风又有趣的事情！

让他真正意识到戏剧之美，是高中时，在北京人民艺术剧院观看的一场演出。散场后，一种名为“震撼”的心情在他心中激荡着，久久不能散去。他第一次思考起来：舞台与观众席之间隔着那么远的距离，强烈的灯光已经“融化”了演员的面部细节，为什么他的心还是会跟着剧中人物不断浮沉，为他们的命运不断悲喜呢？

他迫切地想知晓答案，那一刻，他想站上这个舞台，靠得再近点，看得再清楚点。带着这份心情，他考进戏剧学院，跟随老师进行系统的“声台行表”的训练。毕业后，他又去上海话剧中心实习，再后来，李宗雷参加话剧的剧组选拔，正式进入这个行业。

李宗雷告诉我们，有的剧目整场演出下来，足足有8个小时，对演员的体力和状态都是“极限挑战”。

即便是一台100-120分钟的普通话剧，剧组的演员至少要排练1-2个月，每天的排练时间不会少于10个小时。

排练前，每位演员都要先进入角色，与演对手戏的演员对词。进入正式排练后，他们要先排演全场，再拎出重点片段，在一遍遍重复的排练中找到状态，磨出细节，直到这段被无数次打磨后的片段终于完成，才会开始下一个片段。

如此往复，逐个打磨。

之后，剧组还要整合在一起，集中排练四五次。等排练到一定程度后，就把排练场地从排练室挪到剧场里。这时，灯光组、舞美组就会加入，所有工作人员合成彩排。直到剧场里的排练成熟之后，才能正式开演。

李宗雷说，所谓的心力挑战，并不是指熟记剧本，牢记台词，而是对剧本的把握度、对台词的诠释力。

这就要求每一位话剧演员拥有扎实的基本功：良好的功底能让他们在舞台上表演自如，即便遇到舞台事故，也能及时救场。

剧本相当于故事，它的重点是在舞台上完善一个故事，至于故事里的角色，并不会有太过详细的诠释。这个时候，如何让角色活灵活现，有血有肉，更多得依靠演员的专业素养——肢体的放开、声音的顿挫还有戏剧节奏感的培养，都包含在其中。

这种素养，可以通过个人的爱好来实现。例如，有的演员爱好舞蹈，能通过更灵活的动作去表达情感。李宗雷小时候学钢琴的经历让他有了不错的乐感，对节奏感有着自然的把握度。

这种素养，可以通过广泛阅读来实现——有一句话说：演员拼到最后，就是拼文化。阅读能拓宽思想的疆域，填补经验的空白，是演技厚积薄发的必备要素。为此，李宗雷至今仍坚持一周一本书的阅读习惯。

这种素养，还可以通过对外界的观察来实现——即使是一双手，也能通过观察发现不同的特点。老师喜欢拍手，因为手上容易沾到粉笔灰；外科医生常常背着手，因为在手术中，灵活的双手至关重要。这些细节在表演中，能让角色更加立体。

不过，对李宗雷来说，最重要的素养，应该来自于每个人内心深处最轻灵、最直接、最单纯的本真。

粗算一下，李宗雷已经在话剧界摸爬滚打了十余年，演出过20多个剧目，每年有千余场的演出。他不仅和话剧界知名的导演赖声川合作过多次，也曾和知名演员金士杰、胡歌出现在同一个舞台上。

在这样丰富的经验之下，他却笑谈，自己有一群小老师。

那时，他为上海一所小学剧团做指导老师，教导一批儿童演员。下戏之后，他忍不住为他们拍手称赞。

称赞他们，并不是因为这群孩子的纪律有多好，事实上每个孩子都活泼好动；也不是因为演得有多传神，他们不像最近走红的《小戏骨》系列里的小演员那样，有着非常成熟的演技。只是因为这群孩子的表演是发自本心，最热忱、最真诚的表达。

在李宗雷看来，绝佳的演技，并非依靠卓绝的智力去习得，依靠不凡的眼力去模仿，依靠发声技巧去塑造，而是将自我完全融入角色中，以最真诚的态度去面对，最诚实的状态去表达。这样，即使你的音色不佳，表情不美，只要表达足够真诚，对梦想足够诚恳，你都可以是话剧界里，那颗最闪亮的明珠。

测测看，你适合做一名话剧演员吗？

1.你口齿伶俐吗？

2.你擅于分析解读文章里的人物特点吗？

3.你敢于并且喜欢主动去表达自己的观点吗？endprint