爵士音乐与“抽象”艺术传递出生活中的好奇与愉悦

冯铄淳

20世纪20年代的美国，一个周二的夜晚，美国纽约附近的Hoboken小镇的小街坊中，一群刚刚结束忙碌工作的非洲裔美国人正激情地演奏、起舞欢快高亢的小号，自由活泼的查尔斯顿舞，正是那个经济大萧条之前的美国“黄金二十年代”的小小一角。斯圖尔特·戴维斯（Stuart Davis，1892年至1964年）就在该小镇所在的新泽西州长大成人，在这里开始了自己艺术创作的道路。

斯图尔特·戴维斯，算是完整地经历了美国历史上那个最好的时代与最坏的时代，然而，他选择了更积极向上、鲜艳活泼的方式作为他的艺术表现形式。这种选择很大程度上来自于1913年在纽约举办的“1913年军械库艺术展”上现代欧洲大师对他的冲击，还有一直以来非洲裔美国人文化，特别是爵士乐对他的影响。他大胆地摒弃了自己从少年以来就擅长的大多运用模糊笔触与“雾霾色调”的“垃圾箱画派（The Ashcan School）”，用饱和度极高的纯色代替原来作品中的棕与灰的基调。

最能表现出斯图尔特艺术转型的早期作品，要数他的“香烟盒”系列。在他1921年创作的“好彩牌香烟盒（Lucky Strike）”中，斯图尔特明显地大幅简化了线条，用近乎“立体主义”般的清澈线描绘一个众人熟悉，但之前从未见过的物件。正如美国国家美术馆“斯图尔特·戴维斯：蓬勃生长”策展人之一的Earl A. Powel所说，这幅作品中包含了太多斯图尔特在今后的作品中大量运用的元素，这种重复使用流行元素的做法也在更加后来的美国发展成了著名的“波普艺术”。

喜欢爵士乐的人都知道，爵士乐手，特别是“solo（独奏）”乐手，要能够熟练玩转很多种调式音阶，熟知很多种音乐语言与表达色彩。爵士乐的和弦、音阶数量庞大，其变化以及表现力也更强、更包容。斯图尔特从爵士乐中提取了他对生活的灵感，爵士乐就像他观看现代欧洲艺术大师们（梵高、马蒂斯、高更等）作品的滤镜，又将音乐通过色彩折射在自己的画布上。在《Arboretum by Flashbulb》（1942年）中，斯图尔特也把他最喜欢的花园“糊”成一团，块状的颜色与大量笔直的线条让我们想起了蒙德里安，然而却远没有那么“禁欲”，更多的是一种活泼与跳动。理解了爵士音乐的色彩后，这些作品仿佛都不再是抽象，而是确确实实的“情绪写实”，他的《The Mellow Pad》（1945年至1951年）与《Swing Landscape》（1938年）等作品也都有着异曲同工之妙。

2016年底，美国国家美术馆与纽约惠特尼博物馆共同组织了“斯图尔特·戴维斯：蓬勃生长”展览，展出了近百幅从20世纪20年代初的早期作品到1964年戴维斯去世时仍然留在画架上的遗留之作。这些作品反映出他独特的艺术思考能力：通过日常用品的颜色与空间关系，斯图尔特将琐碎嘈杂的日常生活翻译成一种结构化的同时又极其自然的艺术语言，从而传递出生活中的好奇与愉悦。

编辑的话：

线上线下观展时，不妨一边聆听爵士乐一边享受艺术的奇妙。

推荐曲目：

Red Garland： Billies Bounce

Earl Hines： Once Upon A Time； The Cannery Walk

George Wettling： You Brought； A New Kind Of Love To Me

Duke Ellington： Wanderlust； The Feeling Of Jazz； Take The Coltrane

或者，那首电影《神奇动物在哪里》中醉倒无数人的BlindPig （by Emmi）也是不错的选择。