展讯

雷内·格罗伯力早期作品1945～1955

（Early Work 1945-1955）

2016年9月6日至10月22日

聚焦画廊（infocus Galerie），德国，科隆

本次展览展出瑞士摄影家雷内格罗伯力（Rene Groebti）在其摄影生涯早期的精选作品，包括《伦敦》（London）、《爱之眼》（Eye of Love）、《铁道传奇》（Rail Magic）、《百丽尔陈》（Beryl Chen）等。

雷内格罗伯力是谁？也许有读者会问，真是著名的摄影师的话，我怎么没听说过？是的，他是摄影界的一个“盲点”，也许他就是那个最为人熟知的“盲点”，不过他是瑞士当代摄影史中不可或缺的人物。格罗伯力的伯乐是在纽约当代艺术博物馆（MoMA）首次创立摄影部门的美国摄影师、策展人爱德华施泰肯（Edward Steichen），他将格罗伯力的“摄影诗”（image poem）《爱之眼》收入馆藏，还邀请格罗伯力参加著名的“人类一家”（The Family of Man）影展。施泰肯的继任者约翰·沙考斯基（John Szarkowski）同样保持了对格罗伯力的关注，推出了格罗伯力的个展“摄影师之眼”（The Photographers Eye，1964），将其在摄影界的声誉推向一个新高度。在德国，摄影家和学者、先锋派摄影团体fotoform成员奥拓施泰纳特（Otto Stelnert）也看到格罗伯力的潜力，并在摄影研究中同样给予他诸多的关注。

格罗伯力在他的艺术风格上从不走线性道路，他的单张图片也不会是一个静止的坐标，相反，他将媒介视为是离心的，从中心向外发散。格罗伯力将浪漫主义与现代主义和摄影技巧融合在一起。他的成名作比他的同乡罗伯特弗兰克还要早几年面世。两者的艺术成就不相上下。然而格罗伯力却似乎一直被“雪藏”。那就让我们到这个展览中去看看吧。

阅读影像

（OBA&Foam：Reading Im-ages）

2016年9月2日至11月30日

弗穆摄影博物馆（Foam Fotografiemuseum Amsterdam），荷兰，阿姆斯特丹

一张照片的意义经常不如它看起来那么清晰。我们会“看”照片，但我们真的知道怎样“读”照片吗？照片是什么，换句话说，影像的意义是什么？当我们从不同的角度审视照片时，它还能向我们讲述出同样的故事吗？在最后按下快门的那一瞬间前，摄影师总会为照片选择好特定的构图、特定的曝光，最后产出的影像只是对瞬间的抓取，因而它只是一个故事在时间上的横截面。在按下快门的一瞬间之前发生了什么？一秒钟之后又发生了什么？当我们作为一个读者时，阅读照片会对我们产生什么效果？

对这些颇具哲学味道问题的探讨看似没有最终的精确答案，但正是这种哲学的思辨让我们逐渐明晰影像的意义和价值，也让我们领略到照片的魅力。带着这些问题去阅读照片，你会发现照片向我们述说的东西其实有很多。本次展览就引导大家带着这些问题去看照片，也告诉我们要带着这些问题去思考照片，去拍照片。

本次展览展出的作品精选自阿姆斯特丹公共图书馆（0BA）收藏的摄影作品，在弗穆摄影博物馆展出。这个摄影博物馆我们并不陌生，它主要寻找有潜力的年轻摄影师，为他们提供展示自己的平台，并在他们成长的过程中给予关注。弗穆收藏的500多部作品反映了当代摄影的复杂性，许多作品处在各种媒介形态的边缘，其中的一些还与视频与雕塑艺术相交叉。

表面（A Look at the Collection：Facades &Surfaces）

2016年7月15日至10月16日

科隆文化基金会摄影收藏部（Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur，KSln），德国，科隆

对相机来说，它能够直接捕捉到的也许只是物体表面。换句话说，本次展览的名称“表面”适用于任何一张照片。但如果是特意以“表面”为题来策展，这里面还真大有文章可作，而且不仅是“表面文章”。我们在生活中看到的各种物体的“表面”，它们缘何吸引我们的目光？这些“表面”有何共同的规律和各自不同的特点？相机除了捕捉物体的外表面外，照片能不能讲述一些更深层次的事情？本次展览或许会给我们一些答案。

该展览包含了18位摄影师在1924年至2015年间创作的130余幅摄影作品，这些作品从不同层面对“表面”这个主题进行表现。这些黑白和彩色的照片描绘了工业和商业领域各种建筑、材料和结构的“表面”，还拍摄了广告牌、城市景观中的文字和图像，同时也对形式美学进行探讨。

物体外表面的信息可通过它的外观和触感等信息元素来再现，这些照片除了用摄影的方法对这些信息进行提炼之外，还加入了背景和时间元素，让信息显得更为丰满。通常情况下，一些信息是显性的，还有一些信息并不是那么显而易见，而后者才更鲜明地体现着个体的特点，尽管它们并不时常表露出来。所有这些照片都透露着作者对日常环境普通物体的兴趣，因而这些看似充满形式感的照片其实也是对社会和文化的记录。

范式（Paradigms）

2016年9月9日至10月20日

卡曼画廊（KAHMANN Gallery），荷兰，阿姆斯特丹

安托万·德阿加塔（Antolne DAgata）是摄影界一个颇具争议性的人物。他对黑夜、性与毒品有着异乎寻常的偏爱，他拍摄的那些虚焦的照片记录了恐惧、欲望、性与死亡。不喜欢他的人从照片里看到了黑暗、暴力、性。喜欢他的人则从照片中看到人性的些许温暖。

德阿加塔曾师从著名摄影师南戈尔丁（Nan Gotdin），后者也是一位以“性”为长期拍摄主题的摄影师。2004年，德阿加塔加入马格南图片社，成为该图片社最另类的摄影师之一。

本次展览展出的是德阿加塔的最新系列作品。这些作品将大量单张照片拼凑在一起，形成饱和抽象的画面。德阿加塔一直善于将理性与感性的界限打破，这是他一贯的风格。将照片排列组合起来也是这种风格的延续与变体。摄影、电影、日记、小说、表演、诗篇与纯粹之间的界限也被抹去了。

德阿加塔这样阐释自己的作品：“相对于一个想法来说，我更偏好实际体验。在艺术实践中，失败、浪费、不准确，都太平常了，然而人们却不喜欢这样，不过我都不在乎。美学意义上的细节与我无关。我的作品就是直接拍摄，外加一点想象。我拍的照片不是为了养眼，而是为了勾引读者，撩拨这些消费者。展览中，照片不再是对那些人或物的表现，而是从生活中扯出的片段。摄影给了我力量，让我在与恐惧和欲望的斗争中有了胜算。通过拍照片，我不再害怕死亡，也不再害怕别人的眼睛。”