斯图尔特·戴维斯：随爵士摇摆的美国抽象

陈颖

从6月到9月，美国20世纪重要艺术家斯图尔特·戴维斯（stuart davis， 1892-1964年）的大型回顾展在纽约惠特尼美术馆举行。作为美国现代主义艺术运动中最具有代表性的艺术家之一，戴维斯运用强烈的颜色与空间关系，将琐碎嘈杂的日常生活翻译成了独特的艺术语言，把欧洲立体主义和野兽派的要素融合到美国的城市文化当中，霓虹灯、摩天大楼、城市街道、广告画这些蓬勃旺盛的美国元素在支离破碎的图案模块和拼贴中，演绎出先进自由的文化和高科技、 商业化的都市色彩，为现代主义艺术运动注入了强烈的美式风格。戴维斯的创作生涯跨越20世纪历史中最动荡的阶段——从一战后世界经济大洗牌到20年代的经济大萧条，一直延伸至改变世界格局的二战后，这个名为《蓬勃生长》 （stuart davis： in full swing）的回顾个展作为惠特尼美术馆2016年夏季的主打展览，对比陈列了戴维斯创作生涯中将近100件作品，呈现这位画家如何使用抽象的方式关照日常，和他对流行文化、立体主义及爵士音乐的运用以及又如何启示着后来波普艺术的发展。

由于父母都是艺术家，戴维斯在年幼时就开始接触艺术，高中还没毕业他便跟随实现“城市现实主义”的“垃圾箱画派”（ Ash Can School）代表画家罗伯特·亨利（Robert Henri）学画，亨利的教学方法对戴维斯的艺术产生了深远影响，他鼓励学生把视角投向社会底层，在平凡锁碎的生活中寻找创作灵感，于是戴维斯的早期作品集中体现了现实主义的特色，并且至终都认为艺术应当反映真实的日常和社会现实。1910年代，戴维斯到了纽约，曾一度为带有美国进步人士及左派立场的月刊的《哈泼斯周报》作插图，这时来自欧洲的现代艺术引起了他的兴趣。1913年，一群美国艺术家发起了军械库艺术展，目的是展示并销售他们自己的作品，当其时的戴维斯是最年轻的参展艺术家。在这次展览中，来自欧洲的最为激进的野兽派和立体主义作品在美国造成了全国性的影响，这些作品强调了艺术的形式和构成，而不再是人们的日常生活。受到梵高、高更、马蒂斯和毕加索绘画的启发，戴维斯面临着现实主义和纯粹抽象的选择，结果他聪明地将新的形式和自己原本的现实主义手法结合了起来，开始脱离单纯地从事物本身出发，而从主观意识的感受中去创造形体，抽象的图形与强烈的色彩融入到自己的日常事物当中，做到了既抽象，又和现实生活接轨，解决了当时艺术家们所面临的难题。

20年代的美国社会正处于快速发展阶段，工业化生产力带来的产业升级反映在人们的日常生活中，丰富多样的生活产品也带动了广告行业的爆炸性发展，戴维斯这一时期的作品突出体现了这种社会发展状况，他在作品中积极地引入了各种当时的流行文化，很多当时的广告或产品的图片都被原汁原味地保留了下来。戴维斯所建构的日常场景是人们熟悉的物品和生动的文字，他微妙地将常用在广告美术中的图形和抽象艺术融合在一起，除了呈现抽象主义的几何元素外，波普艺术的鲜艳色彩也初露锋芒。《Lucky Strike》（1921年）看起来像是一幅立体主义拼贴作品，实际上这是一个二维的烟草包装盒，当时吸烟已成为普遍， 在第一次世界大战中，美国烟草随着士兵的作战广泛分布海外，成为有力的美国象征，戴维斯使用平面几何图形和词汇来描述这种美国产品，明显地传达出一种国家经验。20年代中期，戴维斯到巴黎旅居期间，他更为直接地受到立体派和野兽派影响，开始使用大量棱角分明的几何图形和糖果系的颜色来描述在巴黎的城市生活，如《Brasserie Lipp》（1928年）描绘的是戴维斯在巴黎经常光顾的啤酒屋，结合了街道场景和静物，这是戴维斯一个人坐在餐厅二楼喝着苦艾酒看着广场建筑物的视角和啤酒，据说美国人最喜欢在巴黎的咖啡馆和小酒馆聚会，这从戴维斯的作品中得到了印证。回到美国后，他的画风焕然一新，画面上揉合了各种形体、图案、色块和异想天开的艺术字体，宛如跳跃的爵士节奏。

戴维斯在作品中保持着对现实的关注，导致当美国经历特殊的时期，他摇身成为了一个社团活动的积极分子。1929年，戴维斯回到美国不久，美国开始了一场史无前例的经济危机，一直持续到1933年。这场危机给各行各业都带来严重影响，伴随着股票市场的崩溃，美国的艺术市场也在劫难逃，艺术家们处于收入不稳定的窘迫境况，戴维斯和这些艺术家们开始致力于改善艺术家经济状况和倡导艺术自由的政治运动。戴维斯在多个重要艺术政治组织中担任要职，繁忙的活动甚至占据了他大量的艺术创作时间，这并不是个案，当时这些社团过 多的集会和活动影响到了很多艺术家的创作。戈尔基（Arshile Gorky）和戴维斯是非常要好的朋友，且都具有左倾的观点。不过，戈尔基认为艺术是第一位的，政治活动不能影响创作，戴维斯的观点却相反，他认为艺术家的经济状况如此恶劣而被迫自救，彼此之间的不幸自然使艺术家们自我组织起来，应该更认真地对待严峻的形势，而从一开始就和他一起置身于这些事务中的戈尔基 “只想着玩”。戴维斯所说的“玩”指的是“画画”，最后两个人决裂了。评论家格林伯格（Clement Greenberg）曾在1944年的《抽象艺术》中提出“为艺术而艺术”的观点，他认为艺术不应涉及政治、社会、宗教等功能，但格林伯格的观点却与当时美国的现实不符，美国的现代艺术运动是美国现代性的一个方面，美国现代主义肇始的标志之一，便是美国艺术家们开始摒弃脱离现实的艺术创作，除了投身政治运动，这些艺术家从创作上转而以艺术表现当代的社会政治生活， 他们这一时期的形式革新或多或少都与共产主义和自由主义的意识形态相关联。

20世纪30年代，戴维斯已经是一位著名的美国画家，随着他投身政治运动的深入，他意识到自己的工作信念能影响到美国的社会政治环境，他的政治信息逐渐在作品中清晰地显现出来，并且大多数现代艺术家一样明确自己的政治目标。1933年，罗斯福取代胡佛当选美国总统，新政府在大力恢复经济的同时，也采取了一系列扶助艺术的重要政策。新政先后建立了公共工程艺术计划（Public Works of Art Project）和联邦艺术计划（Federal Art Project），在此期间，政府为了保障艺术家群体的收入，增加了大量为公共建筑物创作壁画的工作，参与项 目的左倾艺术家认为艺术是为政治服务的，因此他们采用了社会现实主义的创作手法，以其直观和震撼力对人民进行宣传。戴维斯是第一批申请联邦艺术计划的艺术家，这个时期他的大部分作品都是建筑物壁画，他在这些壁画中隐藏着画布表层之外更深层的含义，时而展现出于美国大萧条时期的绝望， 时而透露着对马克思主义的隐晦支持，时而呈现出对其私人生活状态的影射。 在形式上，有别于其他艺术家的现实主义壁画，戴维斯所创作的绘画充满了现代艺术的气息，他将绚丽的颜色填充于墙上的空白，并将各种图案交叠从而形成碎片化的图样，如此，现实主义清晰的叙事性、现代主义简化的形式和浅层的空间结合在了一起。

1940年，戴维斯停止了政治运动重新回归到艺术创作中，这时他抛弃了当时立体主义中心物体的概念，使用色彩和碎小的图案引导观众的视线不停地在作品上移动，形成无主次、无等级的“无视觉焦点”风格，他将这种风格比喻成“即兴创作的爵士乐”。这种风格到了后期，戴维斯作品中的图案不断被简化，甚至在画面中只使用文字。戴维斯的早期作品已经重视文字的运用，但早期主要是从广告图案上直接截取文字，后期的戴维斯开始探索将文字视为独特的艺术元素——不仅仅作为图案，还具有更为深层的内在含义，如《Champion》系列，虽然是基于火柴广告而创作，但文字的多重转化和设计显然超越了字面直白的意义。

戴维斯始终认为艺术当体现当时生活中积极的一面，即便在大萧条中，他的作品中依然能在琐碎嘈杂中找到和谐的规律，直到生命的最后，戴维斯依然在他的画布中透漏出对于生活的热爱和信仰。他在名为《Fin》（1962–64年）的作品中，表现出对于自己生命终结的清晰预感，并用大写的“FIN”代表“FINISH”，直白地将纯正的黑色字符书写在画面的左上角，积极地面对即将到来的死亡，多彩的颜色和日常生活的抽象化，依然诠释着他对为之自豪的国家的热爱。在美国，他被公认为20世纪初期第一流的抽象主义画家。