希望之路

郭春达

摘要：笔者此次谈论的《C大调钢琴幻想曲》（又名《流浪者幻想曲》）是以舒伯特脍炙人口的艺术歌曲《流浪者之歌》为原型，通过一系列变奏和发展而成的钢琴幻想曲，这部作品完成于1822年11月，是作曲家中断4年钢琴奏鸣曲后创作的第一部作品，是他阶段性成熟的标志。

虽名为幻想曲，但是舒伯特还是遵循着古典钢琴奏鸣曲的思路来创作这部作品，无论是在创作手法还是构思上，都沿用了古典钢琴奏鸣曲的规范。所以在某种意义上这部钢琴作品还是被归在钢琴古典钢琴奏鸣曲的范畴，这是它特殊的一点。而在舒伯特的器乐创作中，我们不难发现，他经常引入自己所做的歌曲旋律为主题，《流浪者幻想曲》充分地体现了这一特点，下面笔者就从旋律特点，曲式结构和演奏中需要解决的技术问题等三个方面来浅析这部作品。

关键词：旋律 结构 探究 舒伯特

一、主题旋律特征与曲式结构

舒伯特经常把声乐作品中的旋律用来做他器乐作品的主题。《流浪者幻想曲》在第二乐章部分，完整地采用了他的艺术歌曲《流浪者之歌》第二段的8小节平行乐段作为主题，并进行一系列的变化发展，使其成为一个堪称经典的自由变奏乐章。在一、三、四乐章也都程度不同的引用了这首歌曲的动机以及结构框架。所以，这部作品被称为“流浪者幻想曲”。

首先以第二乐章为例，谈一下他的旋律特征。

这个乐章的主题旋律优美，节奏舒缓，气息悠长。舒伯特把人生该往何处的疑问和流浪他乡的伤感情绪，以及压抑在内心深处的孤寂痛苦等诸多因素融入到以上特性当中，使作品优美而不乏深刻。他保留了歌曲旋律的优美抒情性和蕴含的真实情感；旋律的节奏韵律，更像是人声在歌唱，娓娓道来，真挚而委婉。调性上从忧郁伤感的#c小调到温暖的E大调，再到充满希望与憧憬的#C大调，这一次次调性的转换，加以变奏的手法，体现了舒伯特对内心深处真挚情感的抒发和对人生美好未来的向往。

而在一、三、四乐章，旋律的韵律上，都引用了《流浪者之歌》的主题音型，运用动机式的发展而形成整个乐章；旋律的音程特征保持了舒伯特在音乐创作中的一贯风格，大量的同音反复，通过丰富的和声和力度以及音色的处理赋予其变化与动力；分解和弦式的进行使和声结构变得清晰明了，旋律变化多样，音乐充满戏剧性，细腻而具有魅力。

在这首《流浪者幻想曲》中，幻想、梦幻的情绪得到了充分的表达，整首乐曲一气呵成，虽名曰“幻想曲”，实则是舒伯特按照奏鸣曲形式进行构思的。这是这部作品的特殊性质。

《流浪者幻想曲》有四个乐章的曲式结构。

第一乐章，不太急的热烈的快板（Allegro con fuocoma non troppo），C大调，为不完整的奏鸣曲式结构。

第二乐章，柔板（Adagio），#c小调，自由变奏曲。

第三乐章，急板（ Presto） ，bA 大调，诙谐曲。

第四乐章，快板（Allegro） ，C 大调，带尾声的三部性结构。

这个乐章的第一部分是一个自由的赋格段，或者可以说是以类似赋格曲来构思呈示部的写作手法所构成的段落。把整部作品推向一个最高潮，一个充满光明与希望的终点。

二、《流浪者幻想曲》在演奏中的音乐处理和技巧难点的探究

该作品分为四个乐章：大量的和弦和连续重复音贯了穿整个乐曲的始终是这四个乐章的共同特点，例如第一乐章的开头就包括了和弦和琶音两项技巧，下面我们就来谈论一下和弦和琶音在演奏时需要注意的细节。

按三度或非三度音程排列起来的三个以上的音的结合叫和弦。和弦的弹奏技巧在钢琴演奏基本技术中的地位是十分重要的。弹奏和弦，首先一定要注意手臂的放松，这种松弛状态就好像当我们站立时，手臂自然放松的状态。我们可以坐在琴凳上，让双臂自然下垂在身体两侧，想象双臂可以触摸到地面。并且在演奏和弦时，始终保持这样一种状态。让手臂整个的重量可以通透的传送到指尖的敏感地带，通过运用重量的多少来控制音量的大小。再通过指尖的软硬程度来控制音色的变化。当需要柔软的音色时，手指肚要平软些；需要坚实厚重的音色时，手指肚则需要坚硬一些。要做到这种要求，坐姿是非常重要的。首先我们要腰部挺直坐正，人体不要距离钢琴太近，肩部、肘部、手腕、三个环节像阀门一样。肩部放松，不要耸肩，这样才能保证重量能够传送到下一部位。肘部在连接肩膀大臂和小臂之间应属于顺从地位，较柔韧自如的把肩部及大臂的重量传送到小臂及手腕。在这过程中两肘应该自然向两旁放松，不能夹紧。手腕应该柔韧自如，随着音乐的走向带动手指。手掌要撑起，不能塌陷，指尖坚定有力，之后用腰部力量带动大臂的运动传达给指尖，用手臂自身的重力和键盘的反作用力来完成和弦的演奏，这一系列动作要既放松，又柔韧的把和弦送出去，之后马上恢复到放松状态，同时还要用耳朵仔细地听，对于这首作品，和弦的外声部声音通常要凸显出来，其余的声部要其次于两旁声部。

第一乐章第二个小节的琶音指法有两种，第一种由右手独立来完成，以大姆指开头，这种指法难度大一些，需要灵活的穿指来完成；另外一种左右手一起完成演奏，以左手的 5 指开头，经过三个音再用右手一指接过来，这种指法可以减轻右手独立完成这串琶音的难度。但是无论用哪种指法，一定要保证琶音的legato 和音与音时值，音色和音量的平均。下面简单总结一下有关琶音的技巧练习。

在琶音的演奏中，要加强大拇指的穿指练习。大拇指在长琶音中起着连接的作用，其它四个手指均是上下运动，只有大拇指是左右运动，所以如何把拇指和其它手指的关系处理好，显得尤为重要。这种连接若做不好，普遍的问题就是声音不连贯、不稳定、不均匀。所以拇指与其他手指有机的联系在一起，就起到了至关重要的作用。

下面我们再来谈谈如何在演奏中使用踏板

“踏板是钢琴的灵魂。”

这句话可以当作演奏中踏板如何使用的宗旨，很多钢琴演奏者，喜欢简单的按和声或者拍子来踩踏板，这只是多种踩踏板的一种方式。就这部作品来说，风格上属于古典，而演奏技巧及创作理念则更浪漫派一些，所以如何使用踏板来为这部作品注入灵魂，是把握整部作品风格的重中之重。

踏板对于钢琴，就好比画家手中的调色板。演奏者可以通过踩右踏板来延长声音停留的时间，起到的仅仅是润色的作用。例如第一乐章开头的令人振奋的和弦音群，只有手指和手掌支撑的好，弹出的和弦有层次感声音又很丰满的前提下，踩下右踏板才是有作用的，不然只会给声音添乱，混为一谈。所以这要求我们在任何条件下，都不能拿踏板作为掩盖缺点的手段，而应是锦上添花的工具。

知道什么时候换踏板和什么时候不使用踏板比知道什么时候使用踏板更重要。首先，耳朵是指导运用踏板最好的老师，而脚部是个执行者，把踏板作为添加色彩的工具。在演奏过程中不能够用踏板来祢补力度的不足，奏出强音是手指的任务，而不是踏板的任务，这点同于左弱音踏板，即弹奏弱音符的时候也不能靠踏板掩盖声音。现代钢琴有三个踏板，右踏板为延音踏板，中间踏板为持续音踏板，左踏板为弱音踏板，一般情况下，左踏板和右踏板我们在演奏过程中是常用的。对于延音踏板而言，分为全踏，半踏和浅踏抖动等几种踏法，如何使用这就更加依赖于我们的耳朵，一定要保证音与音之间不能够模糊和浑浊。要注意，当我们踩踏板的时候，一定要音后再踏，即所谓的“音后踏板”。因为这样可以保证音质的纯洁，而不会带有前面音符的声音，以免造成旋律的浑浊混乱。弱音时相对多地使用踏板，强音的时要格外小心的使用，一定要兼顾旋律，伴奏和低音，注意声部的层次分明，声音的高质量流动。

本曲属于浪漫派早期的作品，宏伟的大和弦就选择全踏踩法，而流动的歌唱性旋律则选择半踏或者抖动踏法，要以旋律的清晰，和声的明朗为主要原则。

弱音踏板，正确的使用能够使音色有多层的变化。半踩踏板音色柔暗，深踩踏板声音昏暗沉闷，弱音踏板不仅是音量对比的手段，更是音色的调节器。不同的方法使用起来音色也是完全的不同，这就一定需要我们在练习的过程中多用耳朵聆听，分辨弱音踏板踩到什么位置才是真正需要的音色。这首作品轻柔的地方主要还是要以手指控制为主，外声部凸显出来，其余声部应该用PPP的力度来弹奏，使内声部与外声部融合在一起，这样四声部的旋律才会平稳、和谐、有意境。