关于颜色如何理解董大为的作品

郭成

有些当代艺术的作品让人看起来不知所措，董大为的作品就算是这个类型。而那些花花绿绿的美好形式又让人不舍离去。让我们用“你想告诉观众什么？”这样的问题与他对话，看看艺术家自己怎么说。

艺术与财富：请介绍一下你几个系列作品的思路。

董大为：总的来说我的实践有明显的“艺术史自觉”特征，也就是说我的作品往往并不是从现实题材或者个人情感出发的。比如我的色粉笔系列和水彩笔（马克笔）系列都是从思考绘画本身的问题出发的。具体来说，绘画一般最终要呈现的是绘画行为的结果，是瞬间性的艺术，而我通过我的实践要努力提示绘画行为的过程，绘画既是瞬间性的更是时间性的。书脊系列中也是，它反思色彩在传统艺术中扮演的附属角色：色彩往往是功能性的，服务于造型和象征。而我想让色彩成为色彩本身，色彩就是色彩本身的主题。

艺术与财富：从形式感出发，寻找形式的可能性，是你在之前的访谈中提到的问题。你的作品又都是粉笔、水彩笔、书脊的颜色分类，这些最有公共经验的途径。你希望观众从作品中感受到什么？

董大为：艺术的本质要求自身不断地更新，也就是说艺术是关于不断拓展自身疆界的艺术，这种自我拓展主要诉诸于内容和形式。从内容上讲，怎么样把那些大众熟悉的经验转化为具有不同寻常的艺术形式正是艺术家的工作。也就是说，我希望观众感受到：哦，这个东西我也熟悉，但我从没有想过可以这样！也就是说观众会得到启发，日常和艺术之间的边界是重合的，只需要换个角度去看待。而艺术正是那个提供“从另一个角度看待（事物）”的东西。

艺术与财富：潘诺夫斯基的图像学说到理解作品的方法。在你的作品中，对简单形式的重复最终指向了什么？

董大为：潘诺夫斯基的图像学说（形式-内容-题材）只是理解艺术的一种方法，确切的说是理解具象“图像”的方法，它曾经主导了我们理解传统西方艺术的方式，但是我确定它不再完全适合当下的艺术了，尤其在面对抽象艺术时就显得更加无能为力了。这也就是为什么许多艺术批评家（更不用说大众了）认为抽象艺术自掘坟墓，只是“形式的游戏”，没有给观众提供理解的角度的原因了。我想这里你所指的“简单形式的重复”是指简单元素的重复。对简单元素的重复实际上正是得到形式更新和多样性的途径。因为在重复的过程中真正被放大显现的是简单元素之间的差异，而大千世界是由这些细小的差异构成的。

艺术与财富：如何将观众引导向你真正所想要表达的，什么引导方法会是你觉得好的方式？

董大为：观众通常会关心你要表达的内容，而艺术要表达的内容是要通过艺术自身的语言去表达的。

我倾向于作品不单有好的想法，而且还要有好的外观。外观就是指你创造的形式。观众要被你创造的独特的形式吸引才会进一步感兴趣你作品背后的想法。另外就是要通过作品的展示来引导观众去理解，作品展示（展览）是当代艺术的精髓所在：把作品合理布置在空间当中，能够给观众提供感受作品的场域；利用作品之间的结构性关系提示理解作品的语境。因此好的展览是总是叙事性的，它通过作品与空间的关系，通过背景语境“娓娓道来”，引导并帮助观众理解作品。

艺术与财富：杜尚说“观众的理解也是作品的一部分”。你同意这种说法吗？

董大为：嗯，作品的阐释是多元的，艺术作品最终要走出产生它的工作室进入到流通领域，而每个人都会有不同的角度去理解作品。就像設计一款软体应用，你要设想用户不同的使用需求和使用习惯，所以你要尽可能使你的设计具有包容性。艺术家的创作也需要具有开放性，容纳丰富的指涉。因此可以说艺术作品应该永远是测试版的，他吸引观众一起来定义和完善。

艺术与财富：你怎么看待市场？

董大为：市场是把艺术转化为艺术品并使其流通的地方。职业艺术家要依赖这个转化和流通的反馈来支持他继续他的职业。

艺术与财富：有没有与艺术圈之外的人聊到：涂粉笔这个事儿我也能干，你那个还卖那么贵。你是怎么回应这种声音的？

董大为：技艺只是手段，能用简单的技术就达到目的不是更好么？其实就像我前面提到的，利用日常经验创作艺术正是能产生张力的地方：在看到好的作品时，作为观众我会质问自己“我为什么没有想到”。其实技术在艺术中的作用已经变得越来越低了，因为我们这个时代的科技异常发达。艺术家的工作不应该再困囿于技术层面，艺术家的“技艺”更多在于观念层面，他通过实践训练自己以不同的方式从不同的角度思考问题，从而把一个想法“转化”为艺术。而这些技艺对于还不熟悉当今艺术的观众来说并不是显现的。

艺术与财富：家人怎么看待你的作品？

董大为：父辈通常不太理解吧，互相之间也很少沟通。但我想他们一直都试图理解我的行为，我干的事情吧。这就足够了。同代人还好一些，他们更能接受艺术作为社会生活不可缺少的一部分，所以他们更愿意尝试去理解。