谈谈专业“基本功”训练中的误区及对策

成央红

【摘要】由于高等院校的考核，很多美术教师只重于专业知识传授，而完全忽视了新课程标准提出的“通过学习美术，丰富学生的视觉、触觉，发展学生的空间思维和动手能力，激发学生的创造精神以及美术的实践能力，达到能用美术来表达自己的情感和思维，从而提高学生的审美能力，完善人格。”文章强烈批判这一点，强调让学生形成积极主动地投入课堂，善于观察，积极思考，眼、耳、口、手、心都能动起来，才能真正的理解美、创造美。

【关键词】绘画；误区；策略

【引 言】

静止的观察方式和机械的作画方式，模特不动，光线不能动，作画者不能动，必须从同一视点看出去，直线、分面、深调子画形体……各种的框架，那还是艺术吗？

【正 文】

艺术最珍贵的是朴实和自然，但要获得朴实和自然极不容易，只有排除一切杂念和干扰的时候，用自己的心和眼睛去直接感受和把握，朴实和自然才能悄悄地不期而至，这才是真正的艺术。但在现在美术基础训练中，我们的美术教师存在着这样的问题：那就是只传授专业知识，而忽视学生自己的眼睛观察和大脑思考。不能否认现行的教学法在一个阶段内从某个角度上解决了学生一些认识物象和技能的问题，但并没有真正落实在把人的先天潜力转变成一种自觉的能力，启动学生的内驱力上，基础教学的许多重要环节存在着误导学生的可能，学生掌握一些技能的同时也使他丧失了能动性。

教师只为了美术高考而拼命输给学生许多知识，不允许学生有疏忽，但是美术高考训练班里的大部分学生的素描和色彩，作业都像出自一人之手，大学阶段的创作和设计作业又存在着严重的模仿和抄袭风气，成年人经过专业训练想锦上添花时，用自己的眼睛和大脑思考反而成了问题。因此在美术教育“基本功”的训练中，存在着这样几个误区：

误区一：在专业基本功训练中，教师一开始没有从培养学生观察能力方面着手，而是一味的灌输一些理论知识。其结果使学生成为“画匠”而不是“画家”

分析：众所周知，美术作品是人的观念、情感的物化形态，这种形态是经由我们的视觉器官把握的，在美术创造与欣赏活动中，尽管人的感觉、知觉、想象、情感、思维方面都直接介入这一过程，但是视、知觉都始终处于优先地位，艺术家与创作对象、观者与作品之间，首先是一种直接的视觉关系。因此，从视知觉的角度入手去研究造型艺术的形式规律，应是美术教学的基础和前提，但是现在很多美术教师都是在传授理论知识，如明暗调子，色彩关系如何如何，空间关系怎样处理等等，作为引导学生认识客观对象的共性，但是问题的关键是学生在思辨能力较弱的情况下，当面对自己面前的物体画不出效果，按照这套“客观分析”又能画出些许立体感的时候，会误导学生认为这些概念就是客观本身，学生在这个过程中忘掉对物体的个人化感受，长此以往面对客观对象“写生”，除了接受概念意义上的“客观分析”，并如法炮制，别无选择，教师是从客观出发，忘掉了学生画的是自己看到的物体，还是别人告诉他的物体，贺加斯在他的《美的分析》一书中就提到：“由于人们先入为主的成见和偏见，对象在画家的笔下发生令人吃惊的变化。凡是想学会看到真实的人都要谨防虚伪的结论”（人民美术出版社 1984年 第18页 杨成寅译）在写生训练，如果教师不是以启发学生用自己的眼睛观察为出发点，无论初衷有多好都会变成概念先行。

从教学的角度来看，对学生观察能力的训练大致可以从以下二个方面入手：

策略：

（一）共性中个性的观察培养

课程设置：

第一阶段：找形体、外观非常接近的静物组合训练（如找一组变化很小的玻璃瓶10—20个，苹果一组10——20个）

第二阶段：找一些不规则的静物进行训练（如破旧的书包、破旧的自行车、破旧机器等）

改变以往教师的教学：1、临摹优秀作品2、学生写生：找形体、外观有很大差别的静物组合训练（如陶罐、酒瓶、水果、盘子一组，或花瓶、水果、酒杯一组，等等）

在写生训练中，一开始找有很大差别的静物摆成一组的话，学生就会养成不善于仔细观察的习惯，因为物体差别很大，他们只要稍作观察，就能轻意画出来，所以应找一些形体，外观接近的静物，不规则的静物，让学生只能通过仔细再仔细观察才能把他们表现出来，才能把它们区分开来，通过这样的训练，会使学生在以后的作画过程中有仔细观察的习惯。

（二）个性中个性的观察培养

在写生中，由于条件的不同，会使物体产生不同的效果，教师一开始不要传授过多的理论知识（如明暗五调子、色彩关系等），去干扰他们的观察能力。

课程设置：

在明暗素描写生中，我们不要老是给静物同一种条件，我们可以摆一组静物，给它以不同的条件，让学生在不同的条件下画出不同的作品：

1、在自然光（顺光）条件下

2、在自然光（逆光）条件下

3、在白炽灯光条件下

通过对静物以不同的条件，学生要画出不同的作品，他就必须对所画对象进行仔细再仔细的比较、分析，从中发现其本质的、典型的特征。通过这样的训练，会使他们以后有一双善于观察的眼睛。

误区二：在专业“基本功”训练中，教师只注重训练学生的“技术”，而忽视学生的思维，结果把学生的创新意识创造性思维都扼杀在摇篮之中。

分析：艺术作品归根到底是作者的思想观念和情感，艺术家在学画过程中也总是伴随着积极的富有创见性的思维进行的，但是有绝大部分美术教师则是只教美术基础知识的基本技能，并以“训练”学生的基本技能为主，从幼儿园到大学都是这样，“教”和“训练”是两个不同的概念，可在我们的美术教学当中把它们混淆了，把“教”变成了“训练”，传统意义上“教”的含义应该是“传道、授业、解惑”而我们绝大部分美术教师教学大多谈不上是“教”，基本上是“强化训练”。不许学生想入非非，没有发挥想象的自由，没有随意性，没有表达思想感情的机会。

从教学的角度来看，对学生思维能力的训练大致可以从以下三个方面入手：

策略：（一）艺术观念的培养

一个人他对艺术道路的选择，首先取决于他对人生与艺术的认识与理解，即他的基本思想观念，在现代艺术中，观念更成为艺术创作的灵魂。因此，在美术教学中，我们对学生的观念应进行以下的启发与引导：

1、在教学中我们应为学生提供大量优秀的感知材料，让他们向大师、向民间艺术家、向大自然学习，通过这种欣赏教学，对学生产生潜移默化的影响，充分了解美术文化发展，美的形式、法则，掌握美术表现的语言，提高审美能力。

2、积极引导学生对具体的美术作品进行欣赏，比如在欣赏凡高大师的《向日葵》时，要求学生仔细地观察作品，用语言简单的描述自己看了作品以后的心理感受，在充分地肯定了学生的回答以后，趁机简单地介绍画家的生平和创作这幅画的时代背景，然后引导学生对作品进行深层次的分析。触动学生的感官。（在许多教师看来，美术评论应该是评论家的事，似乎与学生无关。其实不然，在欣赏美术名作时学生都有一种自己初步的印象和感受，因为高中阶段的学生己积累一些初步历史文化知识，而教师如何抓住学生的最初感觉，可以作为深入分析作品的起点。）

3、多让学生去看画展

（二）创造性思维观念的培养

法国大文豪雨果说：“科学是我们，艺术是我。”2个代词准确地区分了科学与艺术之泾渭。马克思的见解更为深刻：“真理是普遍的，它不属于我一个人，而为大家所有；真理占有我，而不是我占有真理。我只有构成我的精神的个体性的形式。‘风格就是人。……你们赞美大自然悦人心目的千变万化和无穷无尽的丰富宝藏，你们并不要求玫瑰花和紫罗兰散发出同样的芳香，但你们为什么却要求世界上最丰富的东西——精神只能有一种存在形式呢？”科学趋同，艺术存异，正是艺术生命之所在。因此，美术的创造性思维的培养是美术学习中最珍贵的部分，美术作品的形式本身是丰富多彩的，这是由于美术家个性、兴趣、追求和思想等各方面的差别所造成，它是一种正常现象。在美术基本功训练中，应该将其全面介绍给学生，使他们懂得美术中存在各种不同的艺术风格，而且每一种风格都有其独到的艺术魅力：

1、在进行构图训练中，不要墨守成规的按照构图的原则来作画，给学生一个发挥的空间，让他们构出符合美的法则的作品，教师对学生的作品可提出几点引导性的建议，但不要太肯定或太否定，让学生有自己的东西，要知道只有这样，艺术创造才能开始，形体才能呈现出生命。

2、在学习素描时，不能仅向学生灌输明暗调子画法，还应该让学生了解以线表现形式的结构素描，以及重视想象设计的素描等各异的素描风格。

3、在色彩训练中，一开始不要让学生了解色彩知识，因为，我们如果一开始灌输这些所谓的理论知识，就会让学生跟着模仿，那么，这些本来富有创造力的机器，还能运转吗？

4、搜集和积累素材：搜集积累素材既是一种准备过程，又是调整修改灵感的过程。此阶段一般称“深人生活”。到生活中体验和感受大自然、社会和人生，无疑会使美术的创造灵感更加丰富。列宾的名画（伏尔加河的纤夫）的主题思想正源于此。所谓搜集素材，是通过速写、素描和色彩等造型手段，有目的或有感而发地描绘生活中的形象。搜集过程中，有时是几根线条的速写记录；有时是强调特征的素描写真；有时是浓涂淡抹的色彩感受；有时是借助照像机留下的原始形象。

总之，在专业基本功训练中，应注意保护学生的独特个性并给予发挥的自由。使每个学生画出一样的画或呈现同样的风格，是创造的大忌，应该鼓励学生立足于自身实际，将自己的内心世界以独特的方式大胆地表现出来，同时对他人的作品发表自己与众不同的见解。

（三）文体素质的培养

由于每个人的经历和知识修养不同，对同一事物认识，感知和理解也就带有差异性，这种差异性正是美术教学中闪闪发亮的金子，是我们应该去挖掘，去捕捉，去保留的个性。形而上的个性化意识决定形而下的个性化表现方法，在美术教学中，学生除了学习美术以外，还应多学习文学、哲学、心理学等等知识，来提高自身素质。

误区三：在美术基本功训练中，美术教师只输出思想而不培养思想。因此，在缺乏精神激励的情况下，技术的生命就愈来愈萎缩，有思想而脱离现实观察，技术也是死的。

分析：在美术教学中，我们所说的思维，虽然包括分析、归纳、记忆、判断与想象等要素，但所有这些要素又都是与前述的视觉方式紧紧相联密不可分的。正是造型艺术的直观性特征决定了它的“视觉思维”与文学或其他理论学科的抽象思维的不同之处。关于这一点，阿恩海姆的观点是最具革命性的代表。在他看来，视觉本身是思维的首要形式，“看”这种活动是一个理解过程——与任何“纯粹的精神活动”一样复杂：“我的论点是，被称作思维的认知活动不是超乎知觉之上，并处于知觉的精神过程的特权，而是知觉本身必不可少的的组成部分，我这里指的是诸如积极的选择，本质的把握、简化、抽象、分析、综合、完成、改正、比较、解决问题以及结合、分离置于来龙去脉等活动，在这一方面即一个人直接观看这个世界时发生情况，与例子坐下来闭着眼睛‘思考时所发生的情况，这两者之间没有什么差别。”很显然，在阿恩海姆那里，“视”与“思”已经是浑然一体，密不可分了（阿恩海姆 《艺术与视知觉》中国社会科学出版社 1984年，第49页），从阿恩海姆的这一理论呼吁要加强理论的修养和思维能力的培养，但那些理论和思维往往套用传统的文艺理论模式，而脱离视觉这一根本，由于这种理论忽视了视觉心理的作用，未能从视觉图式的内在规律去把握问题的实质，而是习惯地从文学的角度泛泛谈论“艺术”与修养，因此，它对视觉艺术研究的切入点总显得隔膜，不得要领，任何游离于视觉艺术规律之外的种种研究无法替代这门艺术本身的研究。当然，我们说艺术创作的思维方式带有直观的感性特征，并不等于说艺术创作的思维是将理性因素完全排斥在外的。事实上恰恰相反，艺术思维中往往积淀着大量的理性要素，正是这些要素构成了一个人的文化心理结构的主要成分，成为其思维的框架和基础。

在此在观察能力与思维能力相结合中，提出二点教学建议：

策略：（一）培养思维品质，讲究学习方法

良好的思维品质具有独立性、广阔性、灵活性、敏捷性、逻辑性和创造性等特征。在美术教学中必须重视思维品质的培养，具体从如下做起：

首先，培养学生独立思考的能力。教师在教学中应从学生的实际水平出发，启发他们通过自己的观察去感受和理解艺术的规律。“注入式”教学方法容易使学生产生依赖性，妨碍智力发展。因此教师为启发学生智力应提出明确的独立完成的任务和目标。爱因斯坦说：“智能比知识更为重要，发展独立思考和独立判断的一般能力，应当始终放在首位，而不应当把获得专业知识放在首位。”

其次，培养学生逻辑知识结构讲究学习方法。美术学习的逻辑性体现在各种技能和知识结构之中，知识要系统和严密；技能训练注意环节性和完整性，培养学生概括力和灵活思维品质，并使其技能更广泛地迁移。在讲授中可利用 “悬念”式教学方法，吸引学生注意力，推动其思维能力的发展。

（二）培养记忆能力

记忆是对所观察和理解了的事物在以后再现或重现时能再认识的过程。记忆是人类生命智能和经验的结晶，它可以积累个人美术实践过程的直接经验，又可以巩固学习前人的间接经验，因此，记忆能力是人智力活动的仓库。人们的一切活动，从简单的感知和观察到复杂的思维和想象，从学习活动到创造发明，只有在记忆的基础上才有可能进行。，实际上美术学习的过程就是将视觉形象和造型知识化为记忆并转为表现能力的过程。在美术学习中通过直观形象提供的形状、大小、空间、色彩、质感、表情等要素，运用线条、笔触、明暗等表现手段不断反复地实践练习使这些形象和绘画要素融合组成艺术形象，并在记忆中留下较深的印象，能牢固地保持或随时提取。

比如我们同学到丽水写生回来之后，那里的典型形象，环境都会深深地印在记忆中，在进行创作时便能随时提取和重新认识，并能根据自己的知识、修养、理解和情感进行再创造。因此视觉形象的记忆，既使美术学习获得了敏捷性、持久性和精确性等品质，又达到了艺术创造的目的

（三）应提高学生的综合素质

学生的视觉审美能力随着他们视觉发展水平的提高，认知能力的发展，以及学生自身发展的需要，不断的变化提高。教师要做一个有心人，对此给予密切的关注掌握变化发展的规律，及时调整制定与之相对应的策略，努力使我们的学生通过美术基本功的训练，成为一个终身关注美术的，有着健康审美能力的全面发展的人。

【结 语】

对于初学者来说，造型艺术基本功的表现“技能”，就象是“高山”挡住了去路，使他们无法看到“山”后是什么。所以，若从更全面、更深刻的意义上来理解的话，造型艺术基本功应包括对学生的观察能力、思维能力、两个环节综合训练，只有两者有机整合，形成一个良性互动的系统，才能收到良好的教学效果。

参考文献：

[1]阿恩海姆 《艺术与视知觉》中国社会科学出版社 1984

[2]贺加斯《美的分析》 人民美术出版社1984

[3]《美术研究》 中央美术学院学报季 2006

[4]《美术大观》 辽宁美术出版社 2007