纽约上演音乐剧《猴·西游记》，华裔导演取经路漫漫

谢朝宗

把中国古典名著《西游记》改编成热闹好看的、带有特技表演的百老汇式音乐剧，是一个很好的点子。故事都是现成的，一些杂耍武打动作也都可以从京剧里搬来，如果能再加进现代剧场的特效设备，以及适合当代口味的音乐，谁说不能创造出像《狮子王》、《蜘蛛人》或是太阳马戏团一样可以全家同乐的节目呢？

这个点子是美国华裔导演陈士争想出来的，他邀请英国另类摇滚乐团Blur的主唱戴蒙·阿尔本（Damon Albarn胙曲、视觉艺术家杰米·休莱特（Jamie Hewlett）做服装、动画及整体视觉设计（但节目单中没有列出布景设计的名字）。陈士争本人编剧和导演的《猴·西游记》Monkey：Journey to the West），2007年先在英国曼彻斯特首演，之后到巴黎、伦敦和美国南卡罗莱纳州的查尔斯顿等地巡演，今年被纽约林肯艺术中心艺术节引进，作为中心大戏。

在有2600个座位的大卫·科赫（David Koch剧院演出2了场，这么算来，艺术节要卖出了万多张演出票，这是艺术节前所未有的大手笔，显然，艺术节是希望借此开拓不同的观众群，所以他们在纽约街头来来回回的观光游览车厢上做足了广告，宣传这是一个老少成宜的节目。又聘请不同的公关和市场营销公司，一方面在华人移民的小区宣传，另一方面向独立摇滚的观众群宣传，希望以阿尔本和休莱特的知名度[著名的街头霸王（Oorillaz）乐队就是二人携手打造的]来招揽更多的乐迷。

休莱特设计的服装及一系列用于宣传的卡通人物造型，个个笑脸嘻嘻，形象鲜明，在宣传上确实有不错的效果。据说整出戏共有近500套服装，其中东海龙王水晶宫的一场，将各色水底居民融合于一体，有中国的虾兵蟹将、日本的原宿新人类和迪斯尼的小美人鱼，鲜艳新奇，最为吸引人。他还制作了连贯不同场景的剧间动画，其中最主要的两段，分别描写了孙悟空如何“破石而生”以及周游四大部洲以求长生术，这些在戏一开始已建立了基调。

《猴》剧组内有近百人，绝大多数是来自中国的京剧和杂技演员，其功底自然深厚。《猴》里的亮点，也都来自他们展现多年辛苦钻研的传统技艺，像是软骨技、平衡术、顶盘、翻筋斗、再加上吊钢丝飞来飞去，在盗仙桃和火焰山的场景中就用到武打功夫。结尾，师徒四人到了西天，十几个女孩子每人手持长棍顶着八个盘子旋转，像是满天花雨一样，还边走边变换队形，不得不让人赞叹。盘丝洞里演员拉着布条吊在舞台上空，也有其艳魅之感。

然而整体来说，全剧没有一个连贯始终的叙事线，只有单个孤立的亮点，这使得全剧没有办法烘托出渐入佳境的戏剧高潮，其中问题主要是出在剧本上。

陈士争的剧本分成九个场景，分别是破石而出与求长生之术、为求兵器大闹龙宫、闯王母宴盗得仙桃、跳不出如来佛神掌、唐僧收仨徒弟同上取经路、三打白骨精、盘丝洞遇难（跳过白骨精后的故事，让被逐的孙悟空在唐僧和猪八戒被囚盘丝洞之后回来搭救他们）、火焰山与铁扇公主（没有牛魔王）以及最后到达西天取得真经。

整场演出的上半段，都在铺陈讲述孙悟空来历及如何从一只石猴变成了孙悟空，以及师徒四人是如何相遇并决意要一起同行。然而真正的“西游”，则到了下半场才开始，这不免让人有点头重脚轻的感觉，难怪不少英文的乐评里都把此剧比喻为好莱坞经典电影《绿野仙踪》（The Wizard of Oz），因为在《绿野仙踪》的电影里，就是讲四位主人公如何凑到一起，如何发展出患难情谊，花了较大篇幅在描述。

如果每个场景都有足够的戏剧性这也倒好了，因为吴承恩在小说的前十回里，将石猴如何转变为齐天大圣，又如何被压在五行山下的过程描写得跌宕起伏。但陈士争的剧本几乎没有任何“叙事”，他在舞台上呈现的永远只是每段故事的高潮，却少了前因后果的铺陈。像“如来佛祖收伏孙悟空”这一场，整场戏只见舞台中央从布幕后面伸出来的一只大手掌，孙悟空在上面转了几圈撒了一泡尿，不知道原著故事的人很难知其所以然，所以不少乐评中都建议在看演出前要先看过节目单里的故事大纲。但作为一个大众消费的戏，如果不能让观众单从舞台的叙事上就轻松看懂这部剧，那么很难维持住观众的兴趣。而对熟悉《西游记》故事的观众来说，这个剧本则丧失了原著里至关重要的一个环节——孙悟空的成熟过程。

我感觉剧本之所以缺乏故事性是因为陈士争不想有太多的对白。这是一个非常现实的考虑，因为就戏剧动作的需要来讲，陈士争非得启用中国演员才能表演中国功夫及杂技等，而中国演员大都只能讲中文，若要把他们训练到能流利地开口讲英文台词，这成本就太大了。然而要让不懂中文的观众看一整晚的字幕翻译，这也太过考验观众的耐心，所以他的台词是能省则省，精简过头甚至到了无法讲清楚故事来龙去脉的程度。而陈士争似乎也无意要以对白来建立角色个性或情节，节目单里列的六位后台演员，全是外国名字，他们负责的可能是一些配角的唱段，但发音咬字都很不清楚，这可见能不能使中国观众听得懂对白，对他来说也并不重要。

陈士争是以“视觉至上”的出发点来导这出戏的，他只是想凭借杂耍武打来抓住观众的眼球。这并非不可能，太阳马戏团的很多戏也都是没有台词，但陈士争并没能做到光靠舞台调度和动作就可以讲清楚故事的目的；《西游记》故事的复杂性，恐怕也不是光靠哑剧就可以讲得明白的。所以《猴》里的特技，只有附加、点缀、炫耀的感觉，而并不能有机地融合在戏剧里。

此次演出的舞台可能也太大了，将本来惊人的杂技效果降低了不少，从观众的反应就能看得出，他们基本都很安静并没有太多自发的赞叹声和掌声。节目单上写明了演出时长为100分钟，这或许是他们过去演出的标准时长，但此次在纽约的演出却将近两个小时。或许真是因为舞台大了拉长了走位的时间，不幸的是，这也同时拖长了原本过场的冷场时间，进一步打断了戏剧的气势。

阿尔本的音乐融合了流行、摇滚、电影配乐等特色，他大量采用中国的五声音阶，但并不拘泥于传统戏曲唱法，很多时候反而有地方民歌以及现代流行音乐的风格。还有些乐段则明显是受到菲利普·格拉斯（Philip Glass）的影响。在配器上，除了用小提琴、中提琴、打击乐和键盘的西洋乐器以外，还使用了中国的民乐，如三弦、中阮和琵琶等，带来了一种中西合璧的感觉。不过从戏剧音乐上考量，其中有些音乐与舞台场面并不相配甚至起了反作用，如孙悟空盗得蟠桃被发现后与天兵天将大战一场，这时的音乐是中板的弦乐加上锯琴，营造出怪异的声响，却少了点紧锣密鼓的紧张气氛。

西天取经的路上充满险阻艰难，大概音乐剧《猴·西游记》也需要再经过锤炼考验方能成器。