完美下一秒

在今天，当我们频频地给予传统文化以关注时，是抱着怎样的心态呢?仅仅是为了对经典的纪念或是将其作为我们的傲人资本吗?我们认为，回顾传统的真正意义还是为了造就今天。我们不应只在收藏与欣赏的层面上需要传统艺术，而是在生活层面上的创造与传承。

其实，每个时代都有其特定的生活方式和需求，一种技艺的传承与否亦是取决于它的“适应性”，即对当代社会和生活方式的适应。这种适应意味着改变和创新，而又在“变中求不变”，这意味着在适应当代生活需要的同时，保持着传统中那种优秀的以精神内核为主的某些规定性，如传统技艺的特质。

近观世界，东邻日本，传统工艺美术与现代设计既相融，又走着一条独自发展的道路，其目的仍然以适应新生活为主；再看影响世界的泰国的设计，作品中无时无刻不在表露着设计师们对于传统材料、技艺的当代理解，将“为生活所用”作为传统艺术存在的第一点要求，这无疑把握住了问题的关键；作为亚洲设计的新动力，在传统技艺的当代传承角度，菲律宾和印度也都有着不俗的表现。在最近的巴黎家居展中，六位受邀参展的印度新锐设计师给大家留下深刻印象，而探究其作品也不难看出传统技艺的微妙现实再现……

和纸之魅

陈珊珊

纸的制作历史可以追溯至中国的汉代。日本是在飞鸟时代引入的，而从平安时代则开始应用流水过滤纤维技术来制造和纸。

传统的日本建筑由“木、草、纸和土壤”等几大元素构成。这些元素的组合，使建筑能够适应炎热、潮湿的夏季气候。和纸在调整房间的湿度上能够起到相当大的作用，因此，还被广泛运用在了门窗及折叠屏风上。

和纸工业在日本江户时期迎来了成熟期。但到明治时期因引入由木浆制作的西方纸而导致和纸的需求减少。现今，由于和纸是天然生态纸张，而重新受到人们的欢迎、重视。

由于和纸的设计风格具有鲜明的日本特色，因而在现今的日本设计领域，采用和纸的设计作品常被评价为具有日本民族风格。但如何将和纸融入到国际化的设计之中，同时又不显得太过民族化，便成了设计师们所要考虑的问题。

在土生土长的京都人草木义博先生的家乡，有着许多传统艺术、娱乐表演、手工艺，以及众多的寺庙和神社。除此，这里还有不少具有历史价值的建筑及插花和茶道。他认为，这其中显示出的良好手工艺技术，都曾体现在早期的“现代设计”中，想将这些美妙的传统艺术品传诸未来。这也成为他选择传统工艺和现代设计相融合作为其设计理念的重要原因。

被称为“washi”的和纸由对人体无害的天然物质制作而成，是功能强大的生态材料，且透气通风可调节湿度，具备良好的可塑性。若将其照亮，还会散发出柔和的光，令人想起家的感觉。正因这些优点，设计师们常将其用做壁纸或固定装置，如门和房间隔扇，自然还会被用来制灯。

从前，和纸只被运用在传统工艺制品上，使用范围非常有限，因而，“寻找应用和纸的新的可能性”，便成为设计师、建筑家北川良明先生的设计核心。其设计中所采用的和纸素材，展现出了天然的细致纹理、纤维及透光性。提到“为生活而设计”，北川先生认为，在今天的日常生活中，和纸因其柔韧的质感已多被使用在日式门窗上，起到了控制光线的作用。这样的设计，为被各种石油工业制品所充斥的现代生活，增添了自然元素及色彩，同时也为忙碌的现代都市人带来情绪上缓解的机缘。

至于如何将传统工艺与现代设计相融合，草木先生认为，方式有很多样。最基本的，则是用现代手法将材料，技术和作用，形式，感觉等元素，协调地融合在一起。例如，将传统颜色图案与现代造型相结合。而其作品“纸之间”，就如同在现代空间中做了特殊的遮光处理，利用传统的和纸制作工艺结合现代材料，形成了特殊的视觉效果。而和纸艺术家福岛秀子女士在其设计作品中，也是通过增强作品的形式感展现出浓厚的现代意识，冀望利用自然的和纸来拉近人与空间的关系。

随着大量西方工业化产品的出现，现在许多美好的古老工艺已渐渐淡出现代人的生活。如今，将那些让人们可在情感上产生共鸣的传统工艺融入新的设计之中，会为现代生活提供更多的实用产品。让那些古老的传统技艺在此找到了新的发展方向。

Ra Shoin

“Ra Shoin”由草木义博先生设计，是一种独立隔问、有两个榻榻米的茶室。这个由木、和纸和榻榻米构威的小空间，可以用三个关键词来说明：一、间：是一种日本独有的空间意识，意味宽广度与界线。“间”本身不仅决定其开放与封闭，也包着含静态与动态，甚至是时间的意识。二、光：就如障子的效果一般，光、影和风声都能透过纸从外部透进来，映出外面的景象。与刻意设计相比，这种随意、自然之美更能令人动容，三、简：将多余的装饰物去除，只保留最单纯的结构与功能，让材料本身的色彩与质感发挥得淋漓尽致。

延伸

源自江户时代的日本纸伞店Hiyoshiya，正在利用制伞这一传统手工艺来开发更多的室内设计产品，古都里灯就是其中之一。其设计灵感来源于纸伞下形成的那种迷离的氛围。将这种由特殊和纸制作的灯置放在空间中，能够生威温暖和轻松的氛围。这种由平安时代望族女子用来写情书的和纸非常柔韧耐用，而且有着如纺织品般的花纹。古都里纸灯的结构与和伞相同，也可以折叠收纳。

和纸屏风：

福岛秀子女士凭借其对和纸工艺的了解以及纯熟、自然的设计手法。将美丽的和纸融合充满现代感的造型，制作出视觉冲击力极强的装置艺术品，让和纸自然的纤维纹理及柔和的色泽得到了完美展现。夸张的形式感，令其具有着影响整体空间气质的功能，使现代环境中充盈着传统艺术情调。

绿茶桌：

这款由北川良明先生设计的咖啡桌，结合日本的传统工艺和纸技术制作而成，并融入了现代设计理念。其漂亮的图案仿若大自然本身的光晕，将光之美表现得淋漓尽致，营造出童话般美丽，浪漫的效果。其内部还置有靠电池发光的LED设备。这件作品目前在日本非常热销，其具有实验性的现代设计已走在潮流前沿。

“菲”主流

李甜

众所周知，东南亚的手工技艺一直蜚声国际，其中倡导“忠于自然”和“手感精神”的菲律宾更是不能被遗漏的一个例证，也许正因如此，著名国际品牌Dedon才会选择“采用了菲律宾传统编织技艺”作为自己的宣传亮点。

菲律宾编织技艺已经有几百年的历史，这种手工艺被当作传家宝代代相传下来，但只有为数不多的工匠才能娴熟地运它，特别是在边角处理上，更能识别出技艺的高超与否。如果要探究菲律宾编织与其他东南亚国家，如泰国和印度

之间的差别，在菲律宾享有盛名的设计师Kenneth Cobonpue的答案是：“更为注重设计对传统手工的影响。”

Cobonpue毕业于纽约PrattInstitute工业设计系，曾在欧洲工作多年。他说“我一直在寻找一种特别的材料来表达我的设计，直到1996年回到宿务，我才发现原来自己寻找的东西就在这里。我想，这首先是传统的力量。我的童年记忆都和宿务繁茂的自然有关，现在这里充满休闲风情的材料和古老的编织技艺都是促进我将梦想变为现实的灵感来源。”

——“我尊重传统，因为这是我们的基础”

Cobonpue的工厂里几乎看不见高科技的生产机器，工匠们就是靠自己的双手编织出一件件带有菲律宾特色的家具。因为商业利润的驱使，机器生产已经代替了手工制作，因为手工做一张牛角包椅大概要一周的时间，一张椅子有时需要打的藤结多达5000个……但是，Cobonpue始终坚持手工制作，在他看来“没有什么比手工更能传递人类的情感了，工匠们把自己对菲律宾的理解，热爱和骄傲都编织到其中。”

——“传统需要与现代结合”

菲律宾当地炎热湿润的气候带来了丰富的物料资源，水草、麻、藤等都是最常见的材料。Cobonpue的设计便大量选用了这些最亲切熟悉的材料，不过同时，他又加进去一些钢铁和玻璃等现代元素，以满足当代人的生活需要。“传统是值得尊重的，但你又不能被它限制，必须找到新的方法来让它更加生动。我的日常工作之一，就是和工匠们一起研究如何将传统工艺运用到现代设计中。”

传承中华瓷艺美学

瓷器昔日在欧美有“白色金子”(Whlte－Gold)的美誉，瓷器又被称为“china”，使中国建立了瓷器之国的地位，然而近百年来，精品瓷器却仅由欧美品牌独领风骚。

法蓝瓷(FRANZ)取自品牌创立人陈立恒的外文名字，意涵无拘无束，充满创意。法蓝瓷结合东方美学思考与西方新艺术(ArtNouveau)装饰风格，运用可保色彩千年不变的特制釉下彩技术，与烧制难度极高的“倒角脱模工法”，制作成融合浮雕与雕塑的精致立体造型，并以传统手绘工艺精心地表现出浪漫梦幻的丰富色彩，再经过一千两百多度的高温烧成及多达上百道的细致工序，才造就了法蓝瓷享誉国际的精品传奇。

法蓝瓷的品牌继承了深厚的东方文化底蕴，融合了道家与儒家的美学精髓，期许自己成为大自然魅力的传递者及东方暂思的传承者。法蓝瓷携手法国时尚设计师尚·包吉尔(Jean Boggio)合作了JEAN BOGGIO FOR FRANZ系列，Jean Boggio才华洋溢且跨足多元设计领域，作品包括高级珠宝，瓷器、水晶、银器及家具等，是法国名牌Baccarat，Hermes、HaviJand等知名精品特聘设计师。

有人说，到印度旅行而没有购买那里的手工制品的话，一定会比没有去泰姬陵更让人感到遗憾，因为，无论是织物、木制品、铜制品，或是手工石雕，印度的手工产品都因精湛的做工和独特的设计在世界上享有盛誉。几千年的文明积淀使得印度成为一个充满绚丽多彩和具有丰富文化传统的国家，那么，背负千年传统的印度年轻设计师，又是如何对待传统与现代两者之间的关系的?

来自新德里的Gunjan Gupta，一直是印度手工艺最活跃的推动者。她的工作中浸透着强烈支持“手工制作”的理念，从制作和唯美两方面来追求卓越。

在你的设计中主要采用哪种传统手工技艺?

Silver Wrapping(包银)。这是一种非常古老的技艺，以前，只有皇室以及显赫的家族才能够享用这种装饰产品。

你是如何将传统技艺与现代设计结合起来的?

无论是精神还是物质上，我们都注重对传统的“可持续性”发展。要让传统技艺为当下的生活服务，能融入到日常生活之中。同时，我也注重让传统技艺在“奢侈”领域发展，从材料本身到工匠手工劳作过程，都非常值得珍视。

Ayush KasIiwal毕业于印度一流的设计学校——艾哈迈达巴德国家设计研究院，他的研究方向，是在尊重传统的印度工艺基础上，结合不同材料对其深入发展。传统工艺结合当代审美，使得他的作品为众多私人所收藏，并深受国际品牌的青睐。

为什么会选择利用印度手工传统技艺来作为自己的设计基础?

我们都知道，印度是个有着悠久历史的国家，手工艺历史也非常长，但对于现代设计师来说，要彻底地理解手工技艺的魅力和手工工匠本身，却不是一件短暂而简单的事情，我们需要花费很多时间去探索研究。我为自己国家能拥有这些技艺而骄傲，我愿意将它们传承下去。

你是如何将传统技艺与现代设计结合起来的?

印度手工艺可能曾给人以低廉的感觉，但我们就是要通过设计上的细节与产品最终表面的处理，促使印度手工艺向更高境界发展。也许一把藤编的椅子并有没什么稀奇，但是如果用不同的材料来表现，效果就会截然不同，而且古老的手工技艺也会保证产品的最终美感。

如恩，传承“生活”

采访刘峰

胡如珊+郭锡恩2003年共同创立的如恩设计研究室(NHDRO)

胡如珊，加州大学伯克莱学院建筑学士、普林斯顿大学建筑及城市规划硕士，曾在多家美国知名设计公司12年；郭锡恩，加州大学伯克莱建筑学院建筑学士哈佛大学设计院建筑硕士，曾任迈克格雷夫斯设计事务研究所(Michael Graves＆AssocIates)亚洲项目总监，负责上海“外滩三号”项目。

漆艺、陶艺以及木作在中国传统文化的情境之下有着很深的积淀，但延续到当今艺术设计之中却出现了种种“断层”。如恩选择这些技艺作为最新系列设计的工艺基础，用他们的话说是出于兴趣，漆和陶这两种材料的运用在中国工艺史上都已经发展得相当成熟了，但是在现代设计中，它们的特质并没有很好地被挖掘使用……所以如恩将这两种材质作为设计的“主题”，或是为他们的设计产品而进行的一个研究“课题”。

说到这些技艺的渊源，比如当时社会文化背景或是这种技艺产生的故事，如恩有着很深的研究。基本上，他们采取两种方式来探寻设计产品中对于传统材质的使用。其中之一是真正深入的钻研其历史并且把从中学到的东西运用到自己的设计中；另一方面，他们尝试完全脱离对材质约定俗成的概念和理解，而通过对材质的直感来设计出与现代生活相关联的产品。

如恩的设计在传统与现代的结合方面找到了很好的平衡，在他们的理解中，传统对设计而言只

是其中的一个因素，当传统作为一个设计系列的主题时，其实获取传统中的一小部分就已经足够了(比如：一个茶杯的形状或是紫砂的颜色)，接下来所有其他的设计要素都将合力服务于这一主题。传统手工艺实际上是现代设计的源头。上个世纪之交，欧洲工艺美术运动奠定了早期现代主义的基础，两者自然而然的形成了某种因果关系。在亚洲，尤其是在中国，这段历史性的转变并没有完全像欧洲那样发生，但我觉得它们仍然以某种相似的方式在发生作用。所以，如果我们快速地浏览现今的设计潮流，手工艺和传统确实正在被越来越多的设计先锋们所热衷，比如荷兰Moooi的图案设计，Tom Dixon用传统手工艺制作的金属系列等……这种现象也同时出现在了时装设计界。

设计的本意还是服务于。“当代生活”，不应只是体现传统工艺的本相和传统生活方式。这两者的关系非常复杂，大体上包括设计中的“功能性”和“目的性”两大因素。一些人认为设计就是为生活服务的，这种说法有待商榷。如恩认为，设计应该作为社会生活变革的推动者，不应该因为要达到“服务”功能而处在如此“被动”的地位，也不能成为产品的附属。说得更具体些，设计应该帮助人们去思考他们的生活，去评判自己，并且推动文化的发展。传统或者历史在当代设计中所担当的角色，是在材质、形状或者功能上，为设计提供。设计并不是无中生有的，可以来自于与历史无关的某个灵感，也可以从历史的一部分中获得参考。当把历史作为参考的时候，设计可以从不同的方面来完成，而整个设计过程往往会融合几代不同的想法和灵感，不能简单的加以线性定义。他们乐于寻求所感兴趣的事物简单的那一面。比如，他们设计的双层玻璃杯，就是以传统茶杯的形状为中心展开自己的设计。

重构传统

刘峰

宋涛和他的S.A.Y

在日益繁乱而又鼎鼎大名的798艺术区，宋涛的S.A.Y画廊可谓一片净土。或许是因为深感日本、泰国的设计师们对于其传统技艺的继承与理解之深，激发着宋涛和他S.A.Y的艺术家们对自身传统精神的感怀，他们在设计之中沉静探究传统审美隐藏着的生活哲学和认知方式，并使之与现代生活融合。这不仅因为中国传统技艺所特有的美感和血液中的审美情怀使然，也源于很多中国设计师努力恢复传统文化的责任感，使世人重新发现和认识中国传统文化的深厚生命力。S.A.Y专门介绍从传统技艺里面挖掘并且重新再创造的作品，注重将传统精神与现代审美相结合，比如漆艺、扎染、木作等传统技艺的当代呈现。宋涛希望以此引领当代中国设计在当今西方文化为主导的设计形式中独树一帜，使人们重新认识中国精神的美感与力量。从2007年推出的《传统工艺的重构》系列展览，就是从当下审美角度切入的。从梁远的漆器到《关于扎染的记忆》，从吕永中个展到自造社回顾展，每一件挑选的作品都巧妙的将传统工艺重构，并表明了S.A.Y清晰而完整的研究主线。

漆美

梳理漆器的工艺历史，能清晰地读到各个朝代精致生活的记述，而漆器所含盖的范围包括了生活的各个方面：祭器、酒具、床榻木枕、案几箱柜、刀鞘、木奁。小到生活用具，大到乐器棺裹。这种精致讲究的生活细节，即便是今天的工艺都很难达到。漆艺在今天经过了上千年的传承后延续到今天，因各种因素无法在规模上达到以往的兴盛程度，但在艺术的表现和视野上，今天的漆艺也是有着自己的新的发展迹象。将传统的工艺，运用到现代的审美造型之中，提取过程片段作为今天造型后的工艺手段进行运用，使古老的工艺过程以最大的切面与现代的生活衔接起来。无论是经过提取的老工艺新设计，还是截取的片段发展出的新工艺，今天的设计者能从这气韵深厚的工艺中得到新的设计灵感，将传统与现代审美相互借力转换，为我们的生活带来具有本土文化精神的文脉滋养。

马可的“无用”

当中国设计师马可携带着新品牌“无用”系列新装出现在巴黎时装周的舞台上，天马行空的创意和行云流水的设计再一次让巴黎时装界惊艳。“无用”系列更是为马可获得了第11届克劳斯王子基金奖(The Prince claus Awards)，成为全球11位获奖者的其中一位，并获邀于12月前往荷兰阿姆斯特丹进行作品展示(无用之土地系列)。颁奖委员会如此赞扬道：“在当代时尚设计行业里，我们听到一把勇敢而有力的声音。马可一直坚持蕴涵在我们裹体之衣中的文化与社会思考。早在读书时期，马可已深会独特的设计需融汇本土的文化价值、运用可持续的环保材料和娴熟的手工技艺，这些看似“无用”(却有大用)。她离开时装工业，为我们创造那些简单、质朴、受生活启发的衣服。每一件“无用”的作品，都带着强大的力量感和雕塑质感，既吸取了中国悠久的文化历史，也章显极具创意的概念设计。它们向目前世界上那些肤浅的时尚与极度低廉的服装制造工业表达了强烈的主张。她的衣服饱含超凡的手工技艺以及美学质感，强调衣服的内涵和文化传承。